We are the Robots: Kraftwerk (3-D Concert) @ El Plaza Condesa, Mexico City

Si estas leyendo este post desde cualquier gadget, seguramente no sabias que esta banda ya hacía música desde mucho antes que tú y yo naciéramos. Si bien no son los creadores de la música electrónica como tal, es innegable la gran importancia que posee esta mítica banda alemana como influencia trascendental para una infinidad de bandas, incluso de otros géneros que de no haber existido, la música electrónica como la conocemos hoy, no sería para nada la misma.

Kraftwerk (‘central eléctrica’ en alemán) fue formado originalmente por Ralf Hütter y Florian Schneider en 1970, cerca de la ciudad de Düsseldorf, quienes con sus primeros álbumes experimentales, fueron de los proyectos más importantes del krautrock y del avant-garde, pero no fue hasta su tercer álbum, el legendario Autobahn del año 1974, que consagró al dúo gracias al tema homónimo de 22 minutos de duración, compuesto y grabado en su propio estudio Kling Klang. Para su primera gira por EU contrataron a Wolfgang Flür y Karl Bartos como percusionistas electrónicos, quienes a partir de ese momento, formaron parte de la alineación como banda.

Sus álbumes Radio-Activity (1975), Trans-Europe Express (1977), The Man-Machine (1978) marcaron una etapa de desarrollo para la música electrónica junto a los primeros álbumes del francés Jean-Michel Jarre y del japonés Isao Tomita, entre otros pioneros, quienes escuchaba de niño gracias a mi padre. Lo mismo sucedió en la década de los 80 con los álbumes Computer World (1981), el single Tour de France (1983) y Electric Café (1986) llamado originalmente Techno Pop, que bien también podría haberse llamado Electro PopSynth-Pop, fueron, son y seguirán siendo los álbumes más representativos de esos sonidos.

En la década de los 90, Wolfgang Flür y Karl Bartos fueron reemplazados por Fritz Hilpert y Henning Schmitz, respectivamente. Un año después, en 1991, con el álbum The Mix hicieron honor al titulo, tomando grabaciones originales y agregando nuevos sonidos para darle un sonido actual (de aquel entonces), a sus temas más representativos, creando nuevas versiones que fueron llevadas a sus actos en vivo hasta hoy en día. Lo último que produjeron en esa década, fue el single Expo 2000 en 1999 con 4 versiones diferentes. Trabajos que marcaron un nuevo sonido durante esa década y para la siguiente.

En 2003, retoman el single ‘Tour de France’ y lanzan su décimo album de estudio Tour de France Soundtracks, un álbum revolucionario para el sonido minimal techno, con el que iniciaron la famosa gira mundial Minimum-Maximum, presentando la nueva tecnología digital, usando cuatro ordenadores portátiles y una pantalla de video de 16 metros durante sus actos en vivo con imágenes proyectadas en sincronía con la música, técnica que actualmente es utilizada por una infinidad de músicos y productores electrónicos de todo el mundo. Con esta gira grabaron su primer álbum en vivo, con temas grabadas en diferentes ciudades del mundo durante 2004 y fue editado en 2005 en un excelente CD doble y en DVD.

Hace una década, en 2004, fue la primera vez en que la ‘central eléctrica’ visitó México como parte de la mencionada gira Minimum-Maximum, con un único show en la Carpa Neumática del Hipódromo de la Américas, siendo además, el primer concierto con sonido envolvente en México. Afortunados los que pudieron asistir aquella primera vez, mientras yo era un adolescente cursando la preparatoria.

Tras la salida oficial de Florian a principios de 2009, la segunda vez que visitaron México, fue durante las dos fechas de Radiohead en el Foro Sol como parte de su gira por Latinoamérica en marzo de 2009 ya con Falk Grieffenhagen suplantando a Florian Schneider, pero no fue hasta 2012 en el que Grieffenhagen ingresa oficialmente a la banda. En ese mismo 2012, Kraftwerk presentó en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) el proyecto denominado Retrospective 1 2 3 4 5 6 7 8, una serie de 8 conciertos en donde tocaron por completo su discografía desde Autobahn a Tour de France, durante ocho días con nuevos visuales en tercera dimensión. Otros lugares donde presentaron este nuevo show 3-D durante 2012 y 2013, fueron en los festivales Sónar en su edición de São Paulo y en la de Barcelona, en el Latitude Festival en Reino Unido, Malta Festival en Polonia, Roskilde Festival en Dinamarca, Longitude Festival en Irlanda, Iceland Airwaves Festival en Islandia, por mencionar algunos. Show que ansiaba ver en nuestro país desde el año pasado, cosa que ocurrió este 2014 ofreciendo tres conciertos los días 13, 14 y 15 de marzo después del sold out de todos los boletos del primer día, obligándolos a abrir una segundo y por si fuera poco, una tercera fecha y claro, como buen fan de esta banda legendaria, adquirí mi boleto para asistir al primer show.

Kraftwerk (The Robots) @ MoMA

Jueves 13 de Marzo, 2014. El Plaza Condesa, México DF

De regreso al Plaza Condesa después de ver a los daneses de Kashmir en Octubre del año pasado, llegando al venue justo minutos antes de las 20:00 hrs (hora marcada para el comienzo del show) con mucha gente afuera aún esperando entrar, la primera persona a quien reconocí en seguida, fue a Juan Carlos Lozano (Morbo, ex-Moenia), quien paso junto a mi, al igual que Héctor Mijangos (director de Noiselab), fiel fan de los ‘robots’, quien me resultó muy platicador durante el concierto tratando de adivinar las canciones antes de comenzar y a quien como en muchas otras ocasiones, me lo encuentro entre el público en varios eventos de la ciudad que tienen que ver con la electrónica y la cultura digital. Un saludo Mijangos.

Con toda la emoción a flor de piel, me apresuré a entrar para no perderme ni un segundo de este magno evento, siendo bienvenido por unas personas que al ingresar, entregaban los lentes especiales (del recuerdo) para ver la magia del 3-D en los visuales de Kraftwerk en un Plaza Condesa abarrotado y con ese enorme lienzo donde ya se proyectaba las cuatro siluetas pixeleadas de los ‘hombres maquina’ de su característico escenario minimalista, acompañado de luces rojas que provenían de las paredes del fantástico interior del Plaza creando al instante un ambiente ad hoc que me sumergió por completo a la experiencia que estaba por comenzar.

Alrededor de las 20:15 hrs, con todo el público preparado con sus gafas especiales 3-D puestas, el cuarteto alemán, saltó al escenario liderado por Ralf Hütter (único miembro original), seguido por Fritz Hilpert, Henning Schmitz y Falk Grieffenhagen (en ese orden) con sus inconfundibles trajes fluorescentes tipo Tron, para abrir con su clásico y emblemático ‘The Robots’ en una versión que combinó la original con la de 1991, en donde la euforia de todos los presentes, asombraron a los de Düsseldorf con un gran recibimiento tras su esperadísimo regreso al país, mientras los primeros visuales en 3-D magnificaba a todos y mientras Hütter declaraba repetitivamente “We are the Robots” y el resto de la lírica que todos conocemos de principio a fin, con un nuevo efecto de vocoder en aquella primera pieza de la primera noche.

Tras una ovación al termino de ésta, le siguió ‘Metropolis’, con visuales que nunca había visto, para seguir con la experiencia 3-D con el combo ‘Numbers’ / ‘Computer World’ en las que ya nos encontrábamos adentrados en el mundo binario de las maquinas y el de los números. Después vino otro combo, ‘It’s More Fun to Compute’ / ‘Home Computer’. Luego presentaron ‘Computer Love’ en una intro nueva. Después escuchamos la intro inconfundible de ‘The Man Machine’ otro de sus temas emblemáticos con la voz en vivo del ‘ser semi humano’ Ralf Hütter, quien hizo lo suyo en el vocoder, fue uno de muchos momentos en el que me preguntaba, si realmente estaba viendo en vivo a esta banda legendaria.

Le siguió ‘Spacelab’ en donde las paredes del interior del Plaza, se pintaron de color azul como parte del espectáculo y en donde nos llevaron por un viaje al espacio desde el interior de una nave espacial, mientras observábamos al satélite Morelos que por varias veces parecía que se iba a estrellar frente a nuestras caras sacando algunos “wooow!” del publico en unísono, luego vimos una hermosa vista de la Tierra desde la nave, terminando aterrizando en las ruinas de Teotihuacán como un gran gesto de cariño hacia nuestro país y que fue hecho especialmente para estas tres noches, ¡que detalle! Todo esto con el efecto 3-D que siendo conocidos por todos nosotros, asombraba a todos en cada una de las piezas interpretadas por los alemanes.

Después, entre una pausa y con el escenario a oscuras, escuchamos “1 2 3 4″ en alemán, para dar paso a ‘Das Model’, el padre de ‘He Took Her To A Movie’ del disco debut de Ladytron, 604 (2001) y otras de mis favoritas de la noche en su versión alemana de ‘The Model’. Fue otro de esos momentos épicos. En ‘Neon Lights’, otra de su aclamado álbum The Man-Machine que tocaron en su totalidad), nuevamente las luces de los costados del Plaza formaron parte del espectáculo para crear un ambiente más envolvente, y sin duda alguna, lo lograron.

Le siguieron ‘Autobahn’, su obra maestra de 1974 en su versión corta-estándar, luego vino el mejor combo, ‘Tour De France’ en una versión corta de la original de 1983, seguido por las versiones de 2003 ‘Tour de France (Étape 1), ‘Chrono’ y ‘Tour de France (Étape 3)’ en las que no paré de mover los pies y la cabeza a imitación de baile. Después, ‘Airwaves’, luego ‘News’ y ‘Geiger Counter’ que sirvieron como intro para la extraordinaria ‘Radioactivity’, cantada en la primera parte en japonés y en la segunda en inglés y con una variación en la letra al cambiar por algunas veces “Hiroshima” por “Fukushima”  luego del accidente nuclear que sufrió en Marzo del 2011.

En ‘Trans-Europe Express’, volvieron las luces de las estructuras romboicas del interior del Plaza, mientras observábamos el viaje animado por las vías de un express europeo terminando con el logo de su estudio de grabación, Kling Klang. Luego tocaron tres piezas claves e inseparables, ‘Boing Boom Tschak’, ‘Techno Pop’ y ‘Music Non Stop’. En ‘Techno Pop’, el público no dejo emocionarse con la frase “La música ideas portará y siempre continuará. Sonido electrónico, decibel sintético” y en ‘Music Non Stop’, cada uno de los integrantes bajó uno por uno del escenario, después de haber tocado piezas solistas como suelen acostumbrar hacer al concluir sus conciertos. Ralf, el último en bajar del escenario, se despidió de un público eufórico con un “Buenas noches” a secas.

Pensando que ya había terminado su magnifico show, entre una gran ovación, aplausos y gritos, el cuarteto alemán, subió de nuevo al escenario sorpresivamente, para ofrecer un encore tal y como las grandes bandas de rock suelen hacer. El encore estuvo conformado por mis favoritas ‘Aéro Dynamik’, ‘Expo 2000′ y ‘Planet of Visions’ con la que cerraron el primero de tres conciertos y en las que no paré de mover el cuerpo, después de haberse terminado la batería de mi cámara fotográfica.

Sin duda, fue la mejor de las tres noches que ofrecieron en el Plaza Condesa, con una excelente selección de temas ya clásicos interpretados con la frialdad que los caracteriza. Las siguientes dos noches, tocaron ‘The Model’ en inglés y cambiaron sólo las últimas dos canciones de este primer concierto por ‘Vitamin’ en la segunda noche y ‘Electric Café’ en la tercera, según setlist.fm

Kraftwerk @ El Plaza Condesa 13.03.14

Kraftwerk-3D

Instagram: @_anuar

Hace ya una semana desde el primer show que ofrecieron en el Plaza Condesa, y aún no lo supero. Ver por primera vez este espectáculo audiovisual único que toda persona debe de ver por lo menos una vez en su vida, en el que los alemanes demostraron que siguen siendo los putos amos de la música electrónica e hicieron de esa noche, una de las mejores de mi vida. Aunque me hubiera gustado que durante ‘The Robots’ hubiéramos visto a los verdaderos robots sobre el escenario controlados por control remoto como en sus anteriores giras.

El año pasaso, Kraftwerk anunciaron oficialmente que están trabajando en un nuevo álbum de estudio después de su último en 2003, lo que seguramente muchos estamos esperando ansiosamente, aunque sea sin los 3 miembros de su época de oro, Florian Schneider, Wolfgang Flür y Karl Bartos, éste último quien se encuentra de gira presentando su último trabajo como solista Off the Record publicado el año pasado.

Durante 4 décadas y con más de 43 años de carrera, Kraftwerk ha influenciado de manera indiscutible a varias generaciones de músicos y aristas (sobre todo de su natal Alemania) y no sólo en la electrónica. Por ello, recibieron un Grammy honorífico en manos del propio Ralf Hütter (junto a los Beatles) por su larga trayectoria durante la última ceremonia número 56 de los Grammy. “Su legado será eterno y su creatividad seguirá influyendo e inspirando futuras generaciones” fue lo que dijo el presidente de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, Neil Portnow. A lo que me lleva a la analogía de que Kraftwerk es a la música electrónica, lo que los Beatles al rock n’ roll. ¡Maximum! [www.kraftwerk.com]

Fotos: próximamente
Videos: @Vimeo

Setlist:

01. The Robots
02. Metropolis
03. Numbers / Computer World
04. It’s More Fun to Compute / Home Computer
05. Computer Love
06. The Man Machine
07. Spacelab
08. Das Model
09. Neon Lights
10. Autobahn
11. Tour de France
12. Tour de France (Étape 1)
13. Chrono
14. Tour de France (Étape 2)
15. Airwaves
16. News
17. Geiger Counter
18. Radioactivity
19. Trans-Europe Express
20. Boing Boom Tschak
21. Techno Pop
22. Music Non Stop

Encore:
23. Aéro Dynamik
24. Expo 2000
25. Planet of Visions

Escuchando:

Awake-Tycho

Awake (2014, Goshtly International) tercer álbum de Tycho, proyecto sonoro del diseñador gráfico californiano Scott Hansen (también conocido como ISO50) lanzado recientemente el 18 de Marzo en la tienda de iTunes (y en físico), quien ha trabajado para el blog de música norteamericano Stereogum y quien después de aquel magnifico Dive del 2011, regresa tres años después para ofrecernos este excelente álbum de electrónica instrumental y atmosférica llena de finas texturas y sonidos ambient, con elementos del post-rock y del shoegaze gracias a las bellas y delicadas melodías de las guitarras que son envueltas por sonidos electrónicos y por una batería que le dan una sensibilidad y una densidad más profunda a las 8 pistas del álbum. Un álbum influenciado claramente por la música de Alexandre Navarro (incluso el diseño de la portada minimalista es muy ‘SEM label’), o de cualquiera de los álbumes Tubular Bells de Mike Oldfield. Los tres singles que se desprenden de este material, son mis favoritas. ‘Awake’, pista que abre el álbum fue lanzado meses antes del lanzamiento oficial del álbum en su perfil dentro de la plataforma de música en streaming por excelencia, SoundCloud. ‘Montana’ segundo single y ‘Spectre’, el más reciente, son los temas que atrapan al instante de este corto pero excelente álbum. Como plus, el músico electrónico, dj y extraordinario fotógrafo, Reuben Wu, miembro fundador (junto a Daniel Hunt) de Ladytron, trabajó en el área visual junto a Scott en la portada del tercer single y en este excelente material ampliamente recomendable.

Tycho by Reuben Wu

Tycho @ SoundCloud

all the best,
anuar

Top 25: Best Albums of 2013

top25-final

Finalmente, después de una temporada fuerte y larga de trabajo (lo cual es muy, muy bueno), por fin he terminado mi lista de los mejores álbumes del 2013. Pero más que decir cual álbum es mejor que otro, son aquellos que me provocaron más sensaciones, sentimientos y placer durante el año pasado y por lo tanto, los que considero personalmente los mejores y mis favoritos del 2013.

2013 fue sin duda, el año en el que descubrí y redescubrí nuevos sonidos y música de varios géneros, tanto nueva como de años atrás. Alrededor de 150 álbumes fueron los que agregué a mi iTunes, música de los últimos 40 años, álbumes que por fin pude adquirir, discografías completas, EPs, compilaciones, mixtapes, bootlegs de conciertos, grandes clásicos, hasta lo más nuevo de los últimos días del 2013. En el transcurso, me hice fan de varias banda y músicos, como Violet Indiana, proyecto activo entre 2001 y 2004 del gran guitarrista y ex miembro de una de las bandas pioneras del dream pop, Cocteau Twins, Robin Guthrie y la cantante Siobhan de Maré, ex vocalista de Mono, no de la banda japonesa de post-rock, sino del dúo británico electrónico y una de las bandas más representativas del trip-hop de los noventa, quien tiene una de las voces más sexys y sensuales que haya escuchado.

2013 trajo grandes debuts, esperadísimos segundos álbumes, regresos al estudio y a los escenarios y nuevos proyectos en colaboración y en solitario de extraordinarios músicos.

Nunca había hecho antes un top de los mejores álbumes del año, sólo en mi cabeza muchas veces. Muchos discos quedaron fuera de esta lista y otros que por más expectativas, dejaron mucho que desear, como el tan esperado segundo álbum del trío electrónico de Manchester, Delphic, Collections que terminó por decepcionarme por completo. O como el sobrevalorado Random Access Memories de Daft Punk que acaba de ganar recientemente el Grammy a ‘mejor álbum del año’, que tiene su parte buena, pero no me gustó tanto, como tampoco Overgrown de James Blake que aunque haya ganado el Mercury Prize por ‘mejor álbum’, no me dejó tan fascinado como su primer álbum homónimo.

En fin, sin más, les presento mi top 25 de los mejores álbumes del 2013:

 

EmpireOfTheSun-IceOnTheDune

25. Empire of the Sun
Ice On the Dune
EMI (AU)

No soy muy fan de este dúo proveniente de Australia y a decir verdad, no había tenido la oportunidad de escucharlos antes, pero cuando escuché este, su segundo álbum, me di cuenta qué, más allá de toda esa imagen glam-pop, Luke Steele y Nick Littlemore hicieron de este álbum, uno dedicado totalmente al dancefloor. Ice On the Dune es una mezcla del sonido de Fischerspooner (también de la imagen), del nu disco de Justice (sobre todo en algunos riffs de guitarra del vocalista principal Luke Steele), de Groove Armada (en su etapa Black Light, álbum en el que Nick Littlemore participó) con voces masculinas y femeninas que suenan a Fleetwood Mac y claramente a David Bowie, pero en general, del clasicismo del pop ochentero y de la música dance de los noventa. Un álbum que siempre que lo escucho me pone de buenas, basta con escuchar “Alive”, una de las canciones más sonadas del 2013.

Trentemoller-Lost

24. Trentemøller
Lost
In My Room (DK)

Desde Dinamarca, Anders Trentemøller nos sorprendió con un álbum totalmente diferente al sonido de sus dos trabajos anteriores. Alejado del techno, en Lost, podemos escuchar diferentes atmósferas y tintes (en su mayoría grises) de una electrónica muy oscura, misteriosa y progresiva digna de presentaciones en vivo con una banda completa con instrumentos reales. A esto le sumamos las colaboraciones de Low, Jana Hunter de Lower Dens, Marie Fisker, Jonny Pierce de The Drums, Ghost Society, Kazu Makino de Blonde Redhead y Sune Rose Wagner de The Raveonettes, con voces melancólicas o cálidas (dependiendo de cada oyente) quienes a lado del danés Trentemøller (quien en algún momento tocó en una banda con Mads Tunebjerg, bajista de Kashmir), hacen de este álbum, un gran viaje por lo más oscuro del techno. Mi favorita es, sin duda, “Come Undone” con la extraordinaria voz inconfundible de Kazu Makino.

DanielHunt&BardiJohannsson-WYR

23. Daniel Hunt & Bardi Johannsson
W Y R (Original Motion Picture Score)
Bang ehf & Daniel Hunt (UK/IS)

Música de soundtrack, específicamente para W Y R, filme americano de horror basada en el juego Would You Rather. Este score fue hecho en su totalidad por el productor y músico inglés y genio detrás de Ladytron, Daniel Hunt y el productor islandés Bardi Johannsson, quienes juntos crearon un score de 20 piezas instrumentales generalmente cortas, basadas en su mayoría en el tema principal del filme, “W Y R Theme”. Un soundtrack inspirado totalmente en el de las películas de terror de los años 70s y 80s. Teclados viejos, sintetizadores vintages, música de cámara, algunos bajos y percusiones, son los elementos que logran crear esa atmósfera tenebrosa y de suspenso digna para este soundtrack, que por veces me recuerda al The Virgen Suicides (Original Motion Picture Score) de Air. Mis favoritas son “Escape” y el tema de los créditos finales “W Y R End Titles” que tiene todo el sonido de “Ritual” del último álbum de Ladytron, Gravity the Seducer.

ManiquiLazer-DeadCelebration

22. Maniquí Lazer
Dead Celebration
Holy Dead Recordings (MX)

Después de varios años de ausencia, el trío de Mexicali B.C. y “ahijados” del productor y diseñador gráfico de Static Discos, Rubén Tamayo (Fax), Maniquí Lazer, regresaron a los escenarios con su tercer álbum, Dead Celebration. Un álbum diferente a lo que nos tenia acostumbrados en sus dos álbumes anteriores, pero conservando su espíritu de destrucción y de agonía. Algunos llaman su música “lazer punk”, otros “post punk”, pero la verdad es que no encajan en ningún género musical, lo que es seguro es que de Maniquí Lazer, es más que simple punk. Los bajos estridentes de Rodo Ibarra, los sintetizadores y atmósferas experimentales creadas por Valentín Torres y las voces melódicas y gritos desquiciados del baterista y vocalista Jung Sing, hacen de este álbum, uno de los más interesantes del 2013. Los tracks “†” y “‡” son dos interludios totalmente experimentales a cargo de Valentín Torres, donde pareciera que estuviéramos escuchando a Vampire Slayer, su proyecto solista alterno. Por otro lado, la voz de Denise Gutiérrez, vocalista de Hello Seahorse! matiza los tracks “Psychic Telegram” y “If We Were Bones “, que aunque no soy fan de dicha banda, su vocalista hace del último track del álbum, uno de mis favoritos. Algunos de estos nuevos temas, fueron estrenados en el festival Día de Campo realizado por Albino.MX en San Andrés Cholula en abril del año pasado, quienes junto a Childs fueron los mejores live acts y los regresos más esperados de la escena nacional.

Ladytron-GravityTheSeducerRemixed

21. Ladytron
Gravity the Seducer Remixed
Nettwerk (UK)

Mientras el cuarteto de Liverpool, Ladytron, se encuentran en un descanso temporal, este año lanzaron su Gravity the Seducer Remixed, la versión remezclada de su último trabajo de estudio, al igual como lo han hecho con sus anteriores álbumes 604 (2001), Light & Magic (2002), Witching Hour (2005) y Velocifero (2008). Lanzado originalmente en vinilo de color azul a finales de noviembre, la versión remezclada de su último trabajo, incluye remixes muy interesantes, en su gran mayoría por DJs totalmente desconocidos. Uno de los mejores, es el que hace su gran amigo Alessandro Cortini bajo su pseudónimo SONOIO en “Transparent Days”, quien se reinventó totalmente para hacer un excelente remix. Otro de los mejores remixes, es “Aces High” hecho por los mismos Ladytron. Desde technohouse hasta dubstep, hacen de este álbum, uno perfecto para amenizar cualquier fiesta. Gravity the Seducer Remixed se encuentra ya disponible en descarga digital a partir del 21 de enero.

KarlBartos-OffTheRecord

20. Karl Bartos
Off the Record
Bureau B (DE)

Off the Record es el regreso de uno de los miembros y pieza clave de la era dorada de Kraftwerk (de 1975 a 1990), Karl Bartos, quien tras 10 años de haber publicado su último LP como solista, Communication, el ex-Kraftwerk y profesor de la Universidad de Arte de Berlín, regresa a los escenarios después de una recopilación de archivos olvidados que fueron reunidos para este nuevo material de techno-pop que hizo característico tanto de Kraftwerk, como de su proyecto Elektric Music en la década de los 90 y de su trabajo de hace una década Communication, al mismo tiempo que Kraftwerk se encuentra de gira por todo el mundo presentando su espectáculo 3D, mismo que presentarán en El Plaza Condesa de la Ciudad de México los días 13, 14 y 15 de marzo que será imperdible. Con este álbum, Bartos nos ofrece, en realidad, 11 temas inéditos plagados de sintetizadores, vocoders y algunos sonidos generados por consolas de 8 bits, que causan nostalgia a todo aquel fan de Kraftwerk que nos recuerdan a los clásicos de la banda y a los días de Bartos dentro de la mítica banda alemana de música electrónica. Para todo soñador como yo, espero que con este regreso, Bartos se presente también pronto en nuestro país por primera vez, ya que una reunión de Karl Bartos con Ralf Hütter, Florian Schneider y Wolfgang Flür suena imposible.

JamesHolden-TheInheritors

19. Holden
The Inheritors
Border Community (UK)

Siete años después de su debut y después de haber presenciado ese buenísimo live set que presentó en la décima edición del festival MUTEK.MX en el Foto Museo Cuatro Caminos en octubre del año pasado, me queda claro que el inglés y fundador de Border Community, James Holden, es uno de los músicos electrónicos más importantes de los últimos años. Con The Inheritors, Holden logra una transformación sonora total, un álbum que evoca a los genios pioneros de la electrónica experimental, un álbum como sacado de los años 60s o 70s de krautrock (con un toque de free jazz en “The Caterpillar’s Intervention”), pero con un sonido de vanguardia hecho con artefactos analógicos. Lejos de ser un álbum perfecto para la pista de baile, es más bien, uno en donde la distorsión y la deformación de sonidos psicodélicos, hacen una mezcla de múltiples texturas que se encuentran en un punto en común, una armonía retorcida. “Renata” y el que le da nombre al álbum, son, tal vez, las piezas más apropiadas para el dancefloor, lejos de éstas, es un álbum en donde con cada escucha, percibes nuevos sonidos y atmósferas.

NosajThing-Home

18. Nosaj Thing
Home
Innovative Leisure (US)

Jason Chung, originario de Los Angeles, California y de atributos asiáticos, mejor conocido como Nosaj Thing, debutó en el 2009 con Drift, uno de los mejores debut de aquel año, después de haber hecho varios remixes para bandas como Radiohead, Portishead, Philip Glass, How To Destroy Angels, Jon Hopkins, entre otros y luego de haber publicado la versión remezclada de Drift con remixes del recién mencionado Jon Hopkins, Dntel, Jamie XX, Daedelus, entre otros; Nosaj Thing editó a principios del año pasado su segundo álbum Home, como la continuidad de Drift, con los mismos elementos de ese IDM oscuro, de la influencia importante del hip-hop, del glitch y del ambient, pero más tranquilo que el primero, haciendo de su sonido, característico y propio. Un álbum repleto de lúcida elegancia con la colaboración en el segundo track del álbum “Eclipse/Blue ” de Kazu Makino de Blonde Redhead (segunda aparición en esta lista y mi favorita del álbum) y de Toro y Moi en “Try”.

Bonobo-TheNorthBorders

17. Bonobo
The North Borders
Ninja Tune (UK)

Con más de 10 años de trayectoria, el británico Simon Green, conocido artísticamente como Bonobo, editó en abril de 2013, su quinto álbum de estudio, The North Borders, publicado bajo el sello inglés Ninja Tune. Un álbum conformado por 13 tracks y varios featuring donde predomina el chillwave, el downtempo y el trip-hop con tintes de dubstep y de witch-house que me recuerda a Sepalcure, Holy Other y a Four Tet. Este material, como ya decía, incluye las voces de Grey Reverend en “First Fires”, tema que abre el álbum con ciertos tintes de James Blake, en la parte sensual del álbum se encuentran las voces de la cantante de neo-soul Erykah Badu en “Heaven For The Sinner”, de Szjerdene en “Towers” y en “Transits” y de Cornelia en “Pieces”, track que cierra este exquisito álbum post-orgánico donde Green nos demuestra nuevamente su gran habilidad con las percusiones, los loops, los bajos, las guitarras y las dulces melodías ad hoc para disfrutarse en un momento de chill out.

Witxes-AFabricOfBeliefs

16. Witxes
A Fabric of Beliefs
Denovali Records (FR)

El francés Maxime Vavasseur, quien bajo el nombre de Witxes (pronunciado Witches) sorprendió con su segundo álbum, A Fabric of Beliefs. Un excelente álbum de electrónica experimental de mucha improvisación con muchos detalles minuciosos, grabado en las montañas negras francesas, cerca de Lyon, Francia, con elementos del post-rock, clásicaambientdrone, field recordings, contemporary folk y del free jazz, que incluye a algunos músicos invitados, como Léo Dumont y Fabien Mysak en las percusiones, Nicolas Mary en el fagot, Frédéric D. Oberland y Nicolas Laferrerie (Medecine Music) en los saxofones y percusiones, Pierre-Loup Mollard en el saxofón tenor y Clément Rhétorie en la guitarra acústica en “The Strands”, todo el resto, está a cargo de Witxes, quien acompañado de una guitarra eléctrica, de su laptop y demás aparatos electrónicos, hizo de este álbum, no sólo uno de mis favoritos del 2013, sino uno de los mejores del año. El penúltimo tema, “The Words”, es el único que incluye voz y letra, acompañado sólo de un ambiente de bosque y una guitarra acústica. Un álbum lleno de detalles y de paisajes sonoros, que se debe de escuchar de principio a fin.

Give Up (cover)

15. The Postal Service
Give Up (Deluxe 10th Anniversary Edition)
Sub Pop (US)

Aunque este álbum originalmente fue publicado hace ya 10 años, aún en estos días sigue manteniendo su vigencia. Y es que, después del gran éxito que tuvo durante una década, marcando un “antes y un después” en la escena musical, Jimmy Tamborello (Dntel) y Ben Gibbard (de Death Cab For Cutie), decidieron lanzar una reedición masterizada de su único álbum juntos, que incluye además del los 10 temas del álbum, dos nuevos tracks “Turn Around” y “A Tattered Line Of String”, lados b, la versión acústica de “Recycled Air” grabado en vivo, covers a temas de los Flaming Lips, Phil Collins y John Lennon, remixes hechos por John Tejada, Matthew Dear, Stryrofoam entre otros y las versiones a dos clásicos de The Postal Service interpretadas por The Shins y por Iron & Wine; y con ello, unos de los regresos a los escenarios más esperados por todos los amantes de la indie electrónica. “The District Sleeps Alone Tonight”, “Such Great Heights”, “Sleeping In”, “Nothing Better”,  “Clark Gable” y “We Will Become Silhouettes” son ya clásicos que sonaron en algunos escenarios de Norte América y Europa en los festivales más grandes e importantes durante su gira de reunión a lado de las cantantes y músicos Jenny Lewis y Laura Burhenn, aunque en México, nos quedamos con las ganas de verlos en vivo. Aunque todas las canciones agregadas a la edición de décimo aniversario ya se podían escuchar desde hace años, nunca las podíamos encontrar todas reunidas. Give Up, son de esos álbumes que nunca me cansaré de escuchar, un gran clásico.

Braids-FlourishPerish

14. Braids
Flourish // Perish
Arbutus Records (CA)

El segundo álbum del ahora trío canadiense de art-rock, Braids, fue nominado para el prestigioso Polaris Music Prize, y no es para menos, con este segundo álbum, Braids se aleja del pop experimental e hipnótico de su álbum debut, Native Speaker (2011), cambiando algunas guitarras y baterías, por beats programados y sintetizadores, creando un álbum más cercano a la electrónica y con un sonido mejor logrado. Dos años después y luego de lanzar el EP In Kind / Amends, como un adelanto, donde se incluye una versión acortada de “In Kind”, “Amends” y dos tracks inéditos, Flourish / Perish, se presenta como la evolución natural del trip-hop de aquellas bandas de hace ya dos décadas, pero con un sonido actual similar al de Purity Ring o al de Grimes, con vocales suaves, llenos de diversos matices e intensidades que rozan el canto que escuchamos en una ópera, es lo que logra la vocalista Raphaelle Standell-Preston. Mis favoritas “Fruend”, “December”, “Hossak”, la más larga e hipnótica “Together”, “Amends” y la que cierra el álbum con su intro de un minuto y veinte segundos, la multifacética “In Kind”.

Beacon-TheWaysWeSeparate

13. Beacon
The Ways We Separate
Ghostly International (US)

Luego de varios EPs en 2011 y 2012, este dúo de Brooklyn, debutó el año pasado con The Ways We Separate en el sello Ghostly International. El trabajo de Thomas Mullarney III y Jacob Gossett, explora una combinación de bajos profundos post-dubstep y melodías pop ambientales y minimalistas, creando un sonido muy cercano al downtempo, con instrumentación influenciada por el R&B y vocales que suenan a Richard File en el álbum Never, Never, Land (2003) de UNKLE. Como sugiere el título y la portada del álbum, el cual, se concentra en la idea de la separación, tanto en el contexto de las relaciones cuando dos cuerpos se distancian, como en un sentido más íntimo y psicológico cuando, aún estando juntos, se sienten alejados. “Drive” es, la mejor del álbum y una de mis canciones favoritas de todo el 2013. Además de los 10 temas, la versión digital incluye una versión extendida de “Feeling’s Gone” como bonus track. Un álbum perfecto para escucharse en casa durante una tarde lluviosa, dejando entrar la brisa y que sirve como meditación sobre la oscuridad en que se basa la más intensa de las emociones humanas: el Amor. Un gran debut.

Gesaffelstein-Aleph

12. Gesaffelstein
Aleph
Bromance Records (FR)

Uno de mis últimos descubrimientos. Gesaffelstein es el pseudónimo del DJ y productor francés Mike Levy, quien luego de haber lanzado varios EPs desde 2008 manteniéndose en la bruma de la escena del techno francés, el parisino por fin lanzó su álbum debut en el sello galo Bromance Records. El estilo de este DJ francés, hace que suene por veces a un Justice con un sonido más agresivo, (basta con escuchar “Persuit”, primer sencillo del álbum u “Obsession”), a un Kraftwerk mutado en el track “Values” y a un experimento de hip-hop del más comercial (irónico) en “Hellifornia”. 14 tracks de techno oscuro e industrial, con algunos temas más tranquilos con el sonido de la lluvia caer, voces sampleadas y otros que, simplemente, hacen volar la cabeza como las mencionadas “Persuit” y “Obsession”, otras como “Duel”, “Hate Or Glory” y “Trans” hechas para destrozar las pistas de baile con cierta elegancia. A pesar de varios años dentro de la escena del techno parisino, con Aleph, Gesaffelstein dará mucho de que hablar en los próximos meses de este 2014.

Emptyset-Recur

11. Emptyset
Recur
Raster-Noton (UK)

Noise y en su máxima expresión. Editado en mi sello alemán favorito por excelencia, Raster-Noton (la casa disquera de Alva Noto, Byetone y Frank Bretschneider), el dúo experimental de Bristol, Inglaterra, James Ginzburg y Paul Purgas, siguen trabajando con su peculiar sonido noisepost-techno industrial, en su más reciente álbum conformado por 9 tracks concentrados en el tiempo, la estructura y la repetición. Recur, es un extraordinario trabajo en donde, desde “Origin”, el primer track del álbum, hasta el último, “Limit”, fuese como recibir una poderosa descarga eléctrica, en donde los sonidos circulan por cada fibra del cuerpo, haciéndolo estremecer y vibrar, como lo haría con cualquier estructura solida hasta sus cimientos. Sonidos que se vuelven adictivos como una droga, queriendo que suban de intensidad más y más hasta reventar nuestras cabezas. Emptyset nos llevan a los extremos de la abstracción y del poder sonoro que seguramente se puede disfrutar mucho más durante sus presentaciones en vivo.

AtomTM-HD

10. ATOM™
HD
Raster-Noton (DE)

Otro nuevo álbum que forma parte del extenso catálogo de Raster-Noton, Uwe Schmidt, conocido como Atom Heart, Señor Coconut y muchos pseudónimos más, nos presenta un extraordinario trabajo con clara influencia de Kraftwerk y del mismo Alva Noto, quien participó en algunas programaciones adicionales. HD es un álbum frío, minimalista, directo y lleno de humor, un álbum necesario para estos tiempos con mensajes que no habíamos escuchado desde hace varios años, convirtiéndose en uno de los mejores del año pasado. Algunos tracks hacen mención a la política, otras hablan del capitalismo criticando directamente a la “cultura pop” de los últimos años y como protesta a las grandes empresas de entretenimiento, como escuchamos en “Empty” (una mis favoritas del álbum), en donde una voz robótica afirma “MP3 killed MTV” o como en “Stop (Imperialist Pop)” (otra de mis favoritas) donde otra voz de robot aclama “Gaga, Gomez, Timberlake, give us a fucking break”. El álbum cuenta con la participación del inglés Jamie Lidell en “I Love U (Like I Love My Drum Machine)”, un track de R&B muy procesado, pero aún bailable. Cuenta además, con un excelente cover al clásico “My Generation” de The Who, que al igual que la versión original, la tartamudez de Roger Daltrey y las guitarras eléctricas permanecen de otro modo en esta magnífica versión. El álbum cierra con “Ich bin meine Maschine”, sin duda, otra de las mejores del álbum. Un álbum, que bien podría pasar como si fuera el nuevo álbum de Kraftwerk que está en camino. El nuevo espectáculo en vivo de Schmidt, no tengo la menor duda, de que es una gran experiencia audiovisual que espero, pronto presente en México.

CHVRCHES-TheBonesOfWhatYouBelieve(SpecialEdition)

09. Chvrches
The Bones of What You Believe (Special Edition)
Glassnote (UK)

Desde Glasgow, Escocia, este trío formado en 2011 por Iain Cook, Martin Doherty y Lauren Mayberry, sorprendieron al mundo con su álbum debut lanzado en la segunda mitad de septiembre del año pasado. Fans de Ladytron y teloneros de Depeche Mode en cuatro shows en Europa durante el Delta Machine Tour a mediados del año pasado, Chvrches (pronunciado Churches), como ya decía, sorprendieron a casi todo el mundo con su sonido synth-pop ochentero, pero al mismo tiempo contemporáneo y moderno lleno de loops y sintetizadores, algunas guitarras, bajos y percusiones, muy similar al debut de los ya mencionados, Delphic y su extraordinario Acolyte (2010). La edición especial de The Bones of What You Believe, contiene, además de los 12 grandiosos temas, cuatro bonus tracks, dos de ellos son canciones extra que para nada son sobras, dos remixes, más dos vídeos con las interpretaciones en vivo de “Recover” y “Lies”. Además de escuchar la tierna y dulce voz de Lauren Mayberry en la mayoría de los temas, en “Under the Tide” y “You Caught the Light”, su compañero Martin Doherty toma el protagonismo en los vocales, mientras la voz de Lauren es guardada en una caja de cristal. Los sencillos “The Mother We Share”, “Recover”, “Gun” y el último del álbum, “Lies”, al igual que todo el resto, conforman un gran álbum que será un clásico del indie pop. Tardé semanas escuchando repetidamente “Night Sky” y en general, todo el álbum. Otro gran debut. Ansío verlos en vivo.

Redfish-Redfish

08. Redfish
Redfish
SEM Label (FR)

Dos amigos, dos colaboradores. Redfish es el proyecto en colaboración entre Alexandre Navarro y Sasa Vojvodic (Letna), ambos fundadores del extraordinario sello basado en París, Francia, SEM Label en 2007, luego de haber mantenido activos desde 2005 los netlables de ambient EKO (fundado por Navarro quien ya se presentó en México durante la tercera edición del extinto festival de música electrónica y arte multimedia Interface en Puebla en noviembre de 2007) y el netlabel Standard Klik Music (fundado por Letna). Aunque han publicado numerosos trabajos con sus proyectos en solitario en diversos sellos, netlabels y dentro del mismo sello SEM, nunca habían colaborado juntos, hasta ahora. Su álbum debut homónimo en colaboración, es precisamente, la suma creativa de estos dos músicos a quienes admiro mucho desde sus inicios. El viaje de Redfish, inicia con el intro “Voyager”, con voces sampleadas pronunciando frases cortas en francés, hebreo e inglés como “Hello from the children of Planet Earth” en la voz de un niño, el resto, el dúo electrónico francés conjunta a la perfección el ambient, el drone y los clicks and cuts con guitarras sampleadas y algunos sintetizadores creando abstracciones melódicas, minimalistas y electroacústicas sin la necesidad de percusiones, pero a la vez rítmicas. Un excelente álbum de 38 minutos de duración y 11 tracks con mucha profundidad y musicalidad editado en CD (sólo 100 copias) y en formato digital. Y como de costumbre, el diseño de portada fue hecho por su colega y artista alemán, Markus Schäfer en su estudio Büro Ink. Aquí pueden escuchar y descargar el nuevo mixtape de fin de año realizado por Alexandre Navarro, el semtape 008 desde SoundCloud. Enjoy!

NilsFrahm-Spaces

 

07. Nils Frahm
Spaces (Bonus Track Version)
Erased Tapes (DE)

Spaces, es el nuevo álbum del músico y compositor alemán Nils Frahm, compuesto en su totalidad por piezas grabadas en vivo a lo largo de los últimos dos últimos, durante su gira de “Felt” (2011). En Spaces, el joven pianista acompañado de su piano de cola y de varios sintetizadores, mezcla hermosamente la música neoclásica o modern classical con la electrónica incluyendo algunas piezas inéditas y de improvisación con algunos temas y fragmentos de sus trabajos anteriores, en donde el público tiene un papel muy importante al escuchársele aplaudir al final de cada pieza, incluyendo esos sonidos en donde se logran escuchar gente tosiendo, el sonido de una envoltura o de papel, el crujido de una silla a mitad de una pieza (sonidos típicos de estos conciertos) o incluso una plática con el público, como exactamente sucedió durante su presentación en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris en la Ciudad de México durante la novena edición del festival MUTEK.MX en 2012 junto al colectivo visual The Joshua Light Show de E.U. que cautivó a todos los que asistimos y en donde tocó la mayoría de estas piezas, pareciendo como si este álbum fuera la grabación de aquella noche inolvidable. No todo es virtuosismo, en “An Aborted Beginning”, primer tema del álbum, un fallo técnico y un error humano deja el tema inconcluso seguido por risas del público y aplausos para continuar con “Says”, una de las mejores del álbum, donde una secuencia ondulada de sintetizador como sacada de los años 70 acompañado de suaves y delicadas notas de piano, maravilla e hipnotiza durante los 8 minutos que dura la pieza. La sensible y melancólica pieza “Went Missing” es otra de las nuevas y mejores piezas de un álbum que ya es bueno por completo junto a los trabajos de los compositores más importantes de música clásica contemporáneaLa versión digital, incluye el bonus track de mi pieza favorita del álbum Screws (2012), “Me” en vivo.

Krieg Und Frieden (Music For Theatre)

06. Apparat
Krieg und Frieden (Music for Theatre)
Mute (DE)

Siguiendo navegando dentro de la escena neoclásica, Krieg und Frieden (Music for Theatre), es el quinto álbum de estudio de Sascha Ring conocido en todo el mundo como Apparat, editado en febrero del año pasado bajo el sello británico MUTE. Como lo reseñé antes aquí, en este blog, Krieg une Frieden, está basado en la producción teatral titulada “War & Peace”, una novela original de Leo Tolstoy, cuando Sebastian Hartmann, considerado uno de los más grandes innovadores del teatro alemán contemporáneo, solicitó personalmente la participación de Sascha Ring para hacer la banda sonora de esta adaptación teatral, Ring no pudo negarse. “Música para teatro”, como lo dice en el título del álbum entre paréntesis, es lo que este álbum ofrece. Todo el álbum está lleno de esa música de cámara, de clásica contemporánea que se mezcla a la perfección con el noise, la experimentación y el IDM, bajo la batuta del músico y productor alemán que dirige la orquesta de esta obra, Apparat. “Lighton” y “A Violent Sky” son los únicos temas con la voz y letra de Apparat, la primera acompañado de su guitarra eléctrica, con ese sonido ya característico de él  desde que empezó a ponerle su propia voz a sus temas o más claramente del sonido de su anterior trabajo The Devil’s Walk (2011) que presentó a principios del 2012 en el mencionado Teatro de la Ciudad de México como parte del MUTEK.MX 2012. Otra magnifica noche. “44 (Noise Version)”, “PV”, el combo de “K&F Thema” y “Austerlitz” son algunas otras de mis favoritas de esta obra.

JonHopkins-Immunity

05. Jon Hopkins
Immunity (Bonus Track Version)
Domino (UK)

Entrando ya a mi top 5 de los mejores álbumes del 2013, el quinto puesto lo ocupa el DJ y productor británico Jon Hopkins con su aclamado Immunity, el cual fue nominado para el Mercury Prize del año pasado como ‘mejor álbum’. Hopkins a colaborado con Brian Eno, David Holmes e incluso Coldplay y es el compositor del soundtrack del filme de ciencia ficción Monsters (2010). Con Immunity, desde el arte microscópico del álbum con impresionantes fotografías en time-lapse de crecimiento de cristales y reacciones químicas capturadas por un microscopio y editadas digitalmente por el director de arte Craig Ward y el bioquímico y fotógrafo Linden Gledhill, es una obra de arte de principio a fin, que pasa por todos los estados de animo, desde la euforia, hasta la melancolía. La primera parte del álbum, son una psicodelia de lo más intenso de Apparat, Nathan Fake y Luke Abbott, incluso de Moderat, especialmente en esos 7 minutos y 50 segundos de “Open Eye Signal”, los casi 9 minutos y medio de “Collider” y en “Sun Harmonics” rozando los 12 minutos en la segunda parte del álbum. Dicha mitad del álbum, es la parte más ambient y delicada, donde se aprecia la clara influencia de Eno, incluso de Nils Frahm en las magnificas piezas “Abandon Window” y el último track “Immunity”, donde el piano es el principal protagonista. “Breathe This Air” y “Form by Firelight” son el balance perfecto entre estos dos elementos, bañado de glitch. Un frenético y delicado álbum que se disfruta tanto en la pista de baile, como en el lugar más tranquilo en el que podamos estar. Editado en varias versiones, la versión Bonus Track, incluye tres remixes de Lord of the Isles, Luke Abbott y Nosaj Thing a “Open Eye Signal” y la versión Extended se le suman dos remixes más e incluye la colaboración con Megan James de Purity Ring en la extraordinaria versión de “Breathe This Air”, además de incluir los video oficiales de “Open Eye Signal” y “Breathe This Air” con Purity Ring.

DiamondVersion-EP1-5

04. Diamond Version
EP 1-5
Mute (DE)

Otros teloneros de Depeche Mode durante algunos conciertos en Europa del Este el año pasado, el proyecto en colaboración entre Alva Noto y Byetone, que por sí solos son de los más innovadores, experimentales y visionarios en la música moderna, Diamond Version, quienes del 2012 al 2013, editaron un total de 5 EPs bajo el sello inglés Mute, culminando el año pasado con un álbum doble que recopila los 17 tracks de los 5 EPs, más un excelente remix inédito por Martin L. Gore de Depeche Mode, claro, a mi favorita “Get Yours” editado en el sello japonés p*dis un mes antes de su brutal y extraordinaria presentación debut en México (tan esperada por un servidor), durante el décimo aniversario del festival MUTEK.MX en el nuevo Foto Museo Cuatro Caminos ubicado a orillas de la ciudad de México el pasado mes de octubre, que me dejó atónito. El nuevo proyecto de las cabezas de Raster-Noton (desde 1998), Carsten Nocolai y Olaf Bender (después del proyecto en colaboración Signal con Frank Bretschneider), es como llaman al proyecto, una “edición diamante”, en donde la suma creativa de estos dos genios germanos, tiene como resultado, un extraordinario post-techno minimalista e industrial heredado de Kraftwerk con ese toque personal de ambos, como ya lo había mencionado en este blog recientemente, creando un sonido jodidamente poderoso y aunque no lo crea, bailable, gracias a la base rítmica de Byetone quien parece ser el encargado de ello con esos poderosos beats y bajos profundos que son muy reconocidos por sus últimos trabajos Death Of A Typographery (2008) y SyMeta (2011), mientras Noto, por su parte, el encargado de los sonidos glitchnoise minimalistas característicos de su extenso trabajo acompañado de excelentes visuales. Voces masculinas y femeninas procesadas, acompañan algunos tracks, dejando en claro su sonido y al mismo tiempo, su espectáculo audiovisual con la frase: “This is a message from Diamond Version”. Para este año, tienen planeado lanzar un nuevo material con nuevas versiones y temas inéditos con vocalistas invitados muy especiales. Un proyecto que espero tenga mucho futuro.

Moderat-II

03. Moderat
II (Deluxe Version)
Monkeytown Records (DE)

Acercándonos al puesto #1 de los mejores álbumes del 2013, en el puesto #3 y después de una larga espera, luego de su álbum debut homónimo editado en 2009 en la BPitch Control con el que se dieron a conocer por todo el mundo, otro proyecto en colaboración, entre el dúo Modeselektor y Apparat, quienes después de lanzar sus trabajos Monkeytown (2011) y Krieg und Frieden (Music for Theatre) (2013) respectivamente, el súper proyecto Moderat con más de 10 años de historia, regresaron a la escena y a los escenarios con su segundo trabajo titulado simplemente II. Otro de los álbumes que ya reseñé en este blog y que no quiero repetir las mismas palabras. Simplemente, les diré que es unos de mis discos favoritos hasta la fecha y lo seguirá siendo por más tiempo. La dinámica entre Sebastian Szary, Gernot Bronsert y Sascha Ring hacen de este segundo LP, un balance entre el IDM, el techno y el dubstep con tintes del witch-house lleno de matices, intensidades y de melancolía y sensibilidad gracias a la voz ya característica de Apparat, en temas como “Bad Kingdom”, “Let In The Light”, “Gita”, “Damage Done” y el bonus track y nuevo sencillo “Last Time” incluida en la versión Deluxe del álbum, que ahora se encuentra incluida también en una reedición limitada especial, recién editado en CD doble + DVD , la Tour Edition, con material adicional, que incluye 3 versiones de “Last Time”, la versión instrumental, una alternativa (que es igual de grandiosa como la original) y un remix hecho por Jon Hopkins, más una versión de “Bad Kingdom” editada por Robag Wruhme, una versión instrumental de “Gita” por Anstam y todos los temas del álbum en versiones instrumentales. Más un DVD con los vídeos oficiales de “Bad Kingdom” y “Last Time”, recientemente lanzado, con su “making of”, el video de “Gita” que se utilizó para la campaña #ENDviolence de la UNICEF, más dos entrevistas. Con su gira que volvieron a reactivar a principios de año, después del accidente de motocicleta que sufrió Apparat y su novia en Berlín hace unos 5 meses, ansío el día en que vuelvan a México y verlos de nuevo con su nuevo show audiovisual nuevamente a cargo del colectivo visual Pfadfinderei.

Marnie - Crystal World

02. Marnie
Crystal World
Self/Cobraside (UK)

Durante el receso que se dio el cuarteto de Liverpool, Ladytron, la escocesa y vocalista principal de mi banda favorita, Helen Marnie, se dio el tiempo y el espacio para escribir y grabar su álbum como solista. Grabado en Reykjavik, Islandia y producido por su compañero Daniel Hunt, el islandés Bardi Jóhannsson y por el italiano Alessandro Cortini (Nine Inch Nails/SONOIO) quien co-produjo sólo el tema “We Are The Sea”, uno de mis favoritos junto a “The Hunter” (único sencillo del álbum hasta el momento), “Hearts On Fire”, “Violet Affair”, “The Wind Breezes On”, “Laura”, “Submariner” y “Gold”. Un álbum financiado en su totalidad a través de la plataforma PledgeMusic para su realización y publicación. Crystal World, es otro de los álbumes que le dediqué una reseña más detallada que las de costumbre. En general, Crystal World, es un extraordinario álbum compuesto por 10 temas escritos en su totalidad por la bella y talentosa Helen Marnie que abarca diversos estilos de la electrónica, desde el característico synth-pop y new wave de Ladytron, hasta un exquisito dream pop y shoegaze con la característica y hermosa voz de Marnie más clara y pura que nunca. Un álbum totalmente influenciado por el mar, los volcanes en erupción, los diversos y bellos paisajes de Islandia y por el pop clásico de los años 70 y 80, elementos que claramente se reflejan en cada uno de los temas, con líricas muy personales y narrativas. Para más detalles, vayan a este link para leer la reseña completa que escribí en julio del año pasado. Marnie se encuentra actualmente preparando su nuevo vídeo, esperando a que regrese pronto al estudio de grabación con Ladytron, mientras tanto, escuchar este álbum es un verdadero placer, literalmente.

Kashmir-EAR

01. Kashmir
E.A.R
Columbia/Sony Music (DK)

El número uno, por varios motivos, es para el más reciente álbum de la banda danesa de rock, Kashmir, quienes con un largo camino en la música, regresaron con su octavo álbum de estudio E.A.R, siglas que significan “Eternally Amplified Restlessness”. Sin duda, el álbum que más escuché durante el año pasado, desde su publicación el 18 de marzo en formato digital, junto a toda su discografía. Y es que, desde el extraordinario arte realizado por el artista italiano Marco Mazzoni y el vocalista Kasper Eistrup y además de ser su álbum mas experimental, llevándonos por los terrenos del krautrock, del ambient, hasta la electrónica, desde el primer tema con el que abre el álbum “Blood Beech”, pasando por las bellas “Piece Of The Sun”, “Seraphina” y “This Love, This Love”, las psicodélicas y más experimentales “Peace In The Heart”, “Pedestals” y “Foe To Friend”, las multifacéticas “Milk For The Blackhearted” y el que le da titulo al álbum, “Trench” el único track instrumental, la más bailable y electrónica del álbum “Purple Heart” y la acústica que cierra el álbum “Peace In Our Time”, son los temas que hacen de este disco, mi favorito de los daneses, el cual presentaron en El Plaza Condesa en octubre del año pasado junto a sus ya clásicos de su extenso repertorio, ofreciendo uno de los mejores conciertos a los que he asistido, pocos días después de haber ganado el disco original importado y firmado por los cuatro integrantes de la banda mediante un concurso en Facebook y el póster oficial (igualmente importado) con el extraordinario dibujo de portada hecho por Mazzoni, que me gané semanas después de su concierto en la misma fan page en Facebook que estoy por enmarcar. Motivos por el cual E.A.R es mi álbum favorito del 2013. (Más al respecto, en el post anterior a este). Recientemente lanzaron un tema inédito como sencillo pocos días antes de Navidad, “E.V.A”, el cual me auto-regalé ese día.

Veremos que nuevos sonidos nos traerá este 2014.

all the best,
anuar

Eternally Amplified Happiness: Kashmir @ El Plaza Condesa, Mexico City

Después de su primera visita a México en 2010 con tres fechas en el Lunario del Auditorio Nacional y una segunda visita en 2011 en el José Cuervo Salón, y luego de presentarse el pasado 13 de Octubre en el Personal Fest en Buenos Aires, Argentina, la banda danesa Kashmir regresó a tierras mexicanas para presentar su nuevo álbum de estudio E.A.R con dos fechas: Jueves 17 de Octubre en el Teatro Estudio Cavaret en Guadalajara y el pasado Sábado 19 en El Plaza Condesa en la Ciudad de México.

Con 22 años de carrera y ocho álbumes de estudio, Kashmir es considerada una de las mejores bandas de rock alternativo de Dinamarca. Formada en 1991 por el vocalista y guitarrista Kasper Eistrup, el bajista Mads Tunebjerg  y el baterista Asger Techau en Copenhague, Dinamarca bajo el nombre de Nirvana, luego de que el trío de Estados Unidos que conocemos todos comenzó a tener éxito, decidieron cambiar de nombre a Kashmir en honor a la canción de Led Zeppelin del álbum Physical Graffiti de 1975, curiosamente mi favorita de Zeppelin.

En sus inicios, irónicamente tocaban un grunge ruidoso con un toque de funk muy de la época, sonido con el que publicaron sus dos primeros álbumes Travelogue y Cruzential de 1994 y 1996 respectivamente, pero no fue hasta su tercer álbum The Good Life de 1999 en donde el sonido de Kashmir empezó a encontrar su esencia. En 2001, el tecladista y guitarrista Henrik Lindstrand de Suecia se unió a la banda y en 2003 lanzaron su multipremiado Zitilites, uno de los mejores álbumes de ese año y de la década, con el que se hicieron conocidos internacionalmente con ese sonido muy a la Radiohead, con el cual un servidor y sin duda la mayoría de los mexicanos conocimos a Kashmir, esos extraordinarios vídeos para los singles “Rocket Brothers” y “Surfing The Warm Industry” que pasaban en aquellos canales de vídeos musicales (cuando aún ponían vídeos), así como la música, me atraparon al instante.

Luego en 2005 lanzaron The Aftermath, un CD+DVD grabado en vivo en Vega, en su natal Copenhagen, el 2 y 3 de Noviembre del 2004, que muestra su gran capacidad y calidad como banda en vivo, ese mismo año publicaron No Balance Palace con las colaboraciones de los legendarios Lou Reed y David Bowie. Trespassers fue lanzado en 2010 y es, posiblemente su álbum más rockero. En 2011 publicaron Katalogue 1991-2011, una compilación doble con una selección de 30 canciones de su discografía más un par de temas inéditos, que fue lanzado en conmemoración de los 20 años de carrera de los escandinavos. Y el 18 de Marzo de este 2013, publicaron su octavo álbum titulado E.A.R, siglas que significan “Eternally Amplified Restlessness” en el que los daneses se profundizaron en el campo de la experimentación para su creación.

Sábado 19 de Octubre, 2013. El Plaza Condesa, México DF

Al grano, a exactamente 15 días de haber estado en la Ciudad de México en la décima edición del festival MUTEK.MX, regresé esta vez, para asistir al concierto de Kashmir en El Plaza, un nuevo venue que reaperturó hace un par de años aproximadamente, ya que originalmente fue un antiguo cine construido entre la década de los 50′s y 70′s. Ubicado en frente del Parque España en la Condesa y ganador del premio por mejor diseño interior el año pasado, El Plaza se ha convertido en uno de los venues más innovadores y sofisticados para el espectáculo, el arte y la cultura.

En medio de una brisa que no cesaba, logré llegar al Plaza Condesa cerca de las 8 PM, hora en que seguía llegando gente ansiosa por escuchar las nuevas y clásicas canciones de Kashmir. Pero antes de que esto sucediera, a las 8:15 PM en punto, la banda local Carmen Costa (quienes abrieron también la fecha en Guadalajara) subió al escenario para hacer más corta la espera y para presentar su nuevo álbum La Chica Francesa, quienes dijeron haber estado muy contentos de poder tocar esa noche advirtiéndonos del gran espectáculo y del gran sonido de Kashmir que se aproximaban al escenario con cada canción que tocaba Carmen Costa, quienes terminaron su show con dos o tal vez tres canciones con invitados en el escenario con instrumentos de viento, mientras disfrutaba de un vaso de cerveza para entrar en calor.

Después de una corta pausa, mientras el público trataba de buscar el mejor lugar (me incluyo) para Kashmir, lo cual fue casi imposible, alrededor de las 9:15 PM las luces se apagaron, los gritos no se hicieron esperar cuando vimos subir al escenario a Kasper Eistrup quien saludaba al público con una gran sonrisa con un sombrero de marinero, acompañado por Asger Techau, Mads Tunebjerg y Henrik Lindstrand quienes se preparaban con sus respectivos instrumentos.

La primera en sonar fue “Blood Beech” track que abre también el nuevo álbum, creando al instante un ambiente muy especial en un Plaza Condesa totalmente lleno, después se empezó a escuchar una arpa y luego los primeros acordes de guitarra acústica de Kasper para interpretar “Piece Of The Sun”, mi favorita del nuevo álbum, sublime.

Luego de dar las gracias y de presentarse, vino “Mouthful Of Wasps” donde la gente se dispuso a bailar y brincar mientras cantaban con Kasper con un sonido bastante claro y fuerte que se mantuvo durante todo el concierto. Uno de los momentos más eufóricos fue cuando Henrik empezó a tocar un sintetizador seguido por otro con un sonido más grave tocado por el bajista, combinados por el sonido de la guitarra eléctrica de Kasper en el comienzo de la grandiosa “Melpomene”, que hizo que El Plaza retumbara en la última parte de ésta cantando fuertemente “Flutter girl, killing me with her sunshine…”, una de las que más esperaba personalmente. “Graceland” fue una de las sorpresas de esa noche.

“Pedestals” fue el momento más experimental de su setlist, con esa larga introducción instrumental muy atmosférica a la que todos estábamos muy atentos, tema que duró alrededor de 10 minutos para seguir con la obligada y tal vez mi favorita de todas, “Surfing The Warm Industry”, que interpretaron con gran energía con todo y el característico sonido del theremin que utiliza Henrik al comienzo y al final de ésta, sin palabras. Después “Peace In The Heart”, otra de mis favoritas del nuevo álbum y de las más rítmicas, con una batería y un bajo muy marcados y con ese final instrumental y progresivo que iba subiendo de intensidad a cargo de Henrik, tal como en el álbum. Luego otra de las sorpresas de la noche y uno de los momentos más psicodélicos con “No Balance Palace”, para seguir con otra de mis favoritas de E.A.R, “Purple Heart”, su más reciente single que sonó increíble con ese guiño a la música electrónica gracias al pequeño sintetizador de Mads, el bajista, quien se encargó de darle todo el ritmo y siendo una de las más coreadas de la noche.

Antes del primer encore de la noche, tocaron otra de las obligadas y la más esperada por todos, “Rocket Brothers” que causó hasta llanto en algunos presentes, cosa que no es de asombrarse cuando una canción empieza con la frase “I miss you so much boy…” y todo el resto, junto a esa melodía en general. Luego de causar una gran emoción en el público, se despidieron para volver Kasper y Henrik al escenario para interpretar “Still Boy” y “Seraphina” en versiones acústicas, momento mágico. Luego les alcanzaron Mads y Asger para reventar el lugar con el característico final “Small Poem Of Old Friend” donde se juntaron las estridentes guitarras de Kasper y Henrik, y a la que Kasper dedicó a un fan de nombre Omar quien se encontraba entre el público para terminar el primer encore con la enérgica “The Cynic”, en la que Kasper terminó la canción tocando estridentes riffs de guitarra con otra guitarra y Henrik ayudando a Asger en la batería en una versión extendida.

Entre gritos, ovaciones y aplausos, el cuarteto de Dinamarca bajó del escenario, mientras el público gritaba al unísono el ya clásico “¡Oé, oé, oé, oé, Kashmir, Kashmir!”. Luego de otra pausa un poco más larga que la primera, regresaron por segunda ocasión al escenario para deleitarnos con “The Aftermath” en el segundo encore, que inició con el sonido de la armónica y los primeros acordes de la guitarra de Kasper, otro de los grandes y emotivos momentos.

“My name is Dave Grohl” fue lo que dijo el frontman y líder de la banda, Kasper, después de presentar a cada miembro de la banda y de despedirse de un público mexicano que no cesaba de aplaudir y gritar, quienes desde ahora, esperarán la próxima visita de Kashmir a la que Kasper prometió.

Aunque no tocaron “Vote 4 Dick Taid” (de hecho ninguna de sus dos primeros álbumes), ni “Kalifornia”, una de mis favoritas de la banda, entre otras de su discografía que seguramente hubiéramos querido escuchar, si presentaron un setlist bastante disfrutable. Durante todo el show, se vio a un Kasper Eistrup muy simpático con el público, con quienes charlaba y bromeaba entre canción y canción, incluso en un momento demostró su capacidad para hacer beatbox, épico.

El sonido de la banda y la buena acústica del Plaza, me sorprendió. Tocan realmente increíble en vivo, la atmósfera que se creó durante las dos horas que duró el concierto fue única. No hubo necesidad de contar con una mega pantalla o un gran espectáculo de luces para ofrecer un extraordinario concierto como el del sábado. No por nada su show fue completamente sold out. Si hubieran ofrecido una segunda fecha, seguramente también la hubieran agotado. Me arrepiento de no haberlos visto antes, al menos en su primera visita en 2010, ya que en su segunda visita a México en el José Cuervo Salón en 2011, me encontraba en el interior de la sala Voilá Acoustique en Polanco, para el concierto del cantautor donostiarra, es decir, de San Sebastián, España, Mikel Erentxun, que aunque con muchas diferencias entre ambos (excepto en ese sonido anglosajón), fue también una gran noche, como la del pasado sábado con Kashmir en El Plaza Condesa. [www.kashmir.nu]

Kashmir, see you next time!

Setlist:

1. Blood Beech
2. Piece Of The Sun
3. Mouthful Of Wasps
4. Melpomene
5. Graceland
6. Pedestals
7. Surfing The Warm Industry
8. Peace In The Heart
9. No Balance Palace
10. Purple Heart
11. Rocket Brothers

Encore 1:
12. Still Boy (Versión Acústica)
13. Seraphina (Versión Acústica)
14. Small Poem Of Old Friend
15. The Cynic

Encore 2:
16. The Aftermath

Próximamente vídeos @ Vimeo

Algo que me encanta de esta banda además de su música claro, son las portadas de sus álbumes desde The Good Life hasta E.A.R y las de sus EPs y Singles entre esos años, son verdaderas obras de arte. Algunas de ellas, fueron hechas por el mismo vocalista Kasper Eistrup, quien además de ser un extraordinario músico, es también un excelente ilustrador al cual admiro mucho, personalmente. [www.kaspereistrup.dk]

Escuchando:

E.A.R de Kashmir (Columbia/Sony Music, 2013). Aunque ya había escuchado el álbum desde que éste salió en formato digital en su lanzamiento oficial el 18 de Marzo, ahora me encuentro escuchando el álbum físico importado y firmado por los cuatro miembros de la banda, que gané merecidamente hace un mes en un concurso mediante Facebook, realizado por Kashmir México, una comunidad de fans de Kashmir en México, administrada por Fernando Macedo, uno de los fans más fieles de la banda (me consta), originario de Puerto Vallarta, quien se encargó de todos los gastos, incluso de envío hasta la puerta de mi hogar a quien le mando un gran saludo y un agradecimiento muy especial nuevamente. Dicho álbum formó parte de una cantidad limitada de pre-orders, los cuales fueron firmados de su puño y letra por los integrantes de Kashmir.

Kashmir-EAR

(Instagram: @_anuar)

Eternally Amplified Restlessness, se ha convertido en mi álbum favorito de los daneses, tal vez por ser el más experimental de su discografía en donde demuestran una gran madurez y evolución sonora. Grabado entre Enero y Diciembre del 2012 en los estudios Sorthus Recording Facility Copenhagen y Rubjerg Gods y producido en su totalidad por ellos mismos, nos lleva a los terrenos del krautrock, del ambient, hasta la electrónica.

Generalmente, la mayoría de los 12 tracks del álbum, van de los 4 a los casi 9 minutos (salvo el más corto con el que cierra el álbum, con 2 minutos de duración), entre los cuales, podemos encontrar uno totalmente instrumental y ambiental, otros con extensos intros y outros llenos de diferentes intensidades, que le dan rienda suelta a la experimentación, (como lo demostraron en vivo). Temas que hablan sobre la paz, política, incluso sobre la muerte en la característica voz de Kasper y sus diferentes matices. Hay samples, voces distantes y manipuladas, ruidos lejanos, hasta un coro de niños, elementos electrónicos, acústicos y demás instrumentos cada vez más raros, fueron los elementos que les permitieron experimentar con su sonido resultado de un año de creación, lo que hace muy interesante este nuevo álbum. Aunque carecen las guitarras eléctricas y ese rock enérgico que se encuentran en sus antecesores, si hay una energía en él diferente. Otro de mis favoritos de este año. Ampliamente recomendable de principio a fin.

A propósito de su visita a México, Kashmir recién lanzó el 9 de Octubre E.A.R – LTD. MEXICO TOUR EDITION, la edición mexicana física de E.A.R que incluye, además del CD con los 12 tracks, un DVD con 5 clips del Making Of The Album que formarán parte del documental Piece 12, en donde explican la creación y elaboración de cada uno de los temas del álbum. También incluye los 2 vídeos oficiales de los 2 singles que han lanzado hasta el momento: “Seraphina” y ” Purple Heart” éste último, dirigido por el mismo Kasper Eistrup, quien debuta como director. Y por último, cuenta con dos clips más: “Piece Of The Sun” y “Seraphina”, que fueron grabados como parte de una sesión en vivo que grabaron para TV Noir en Alemania.

El arte de un álbum es mucho más importante hoy en día. En E.A.R, la edición limitada e importada en digi-pack con un booklet de 24 páginas, parece un pequeño libro con ese inquietante, angustiante y a la vez sutil y bello dibujo en la portada, realizado por el artista italiano Marco Mazzoni, quien fue descubierto por Kasper en una de sus galerías. Al ver lo bueno de sus dibujos, Eistrup le pidió a Mazzoni un dibujo para la portada del álbum y otros para los singles del mismo. El de la portada del álbum, es una obra titulada “Velvet Vulture” hecha sólo con lápices de colores sobre papel de 46×46 cm que logra transmitir a la perfección el sonido del álbum. Aquí el dibujo original y algunos de los excelentes trabajos de Mazzoni en su cuenta de Tumblr. El diseño de la tipografía especialmente para este álbum, fue creada por Kasper Eistrup y Nicolai Bejder. Los dibujos del booklet, están hechos en su totalidad por Kasper Eistrup. Uno de los escasos álbumes que vale la pena adquirir en físico, editado también en vinilo.

Mis favoritas: “Piece Of The Sun”, “Peace In The Heart”, “Seraphina”, “Milk For The Blackhearted”, “Trench”, “Purple Heart”, “Pedestals” y “Foe To Friend”.

all the best,
anuar

MUTEK.MX 2013: 10 años construyendo puentes entre creatividad y tecnología en México. A/VISION 3 + NOCTURNO 1

Han pasado ya 10 años desde que se realizó en México la primera edición del Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica MUTEK (festival originario de Montreal, Québec en Canadá fundado en el año 2000 por Alain Mongeau y dirigido por Damián Romero en México desde el 2003) y 7 años desde que asistí a mi primer MUTEK, aquella tercera edición en la Ciudad de México en 2006 y desde entonces y a lo largo de estos 10 años MUTEK México se ha dedicado a la promoción de la música electrónica y las artes digitales en diversos puntos del país (Ciudad de México, Guadalajara, Tijuana, Puebla y Guanajuato) con una larga lista de artistas de todas partes del mundo convirtiéndose indiscutiblemente en uno de los festivales más importantes de vanguardia y cultura digital no sólo de México, sino de Latinoamérica y el segundo más importante de la organización mundial MUTEK sólo después de la versión “madre” en Montreal, gracias al público ávido de experiencias relacionadas con la creatividad digital y la música electrónica que año tras año crece considerablemente.

La semana del 30 de Septiembre al 6 de Octubre y después de aquella primera actividad con la exhibición de la instalación audiovisual 3DESTRUCT v2 de AntiVJ presentada del 11 al 14 de Abril en las instalaciones de Cocolab, MUTEK.MX ofreció su edición de décimo aniversario en sus dos sedes, la Ciudad de México en diversas locaciones y la Ciudad de Guanajuato dentro del marco del 41º aniversario del Festival Internacional Cervantino. Y como cada año, la programación del festival está conformada por diversas actividades culturales y académicas que enriquecen la experiencia del festival. Pero previo a la celebración del décimo aniversario del festival, la estación de radio universitaria Ibero 90.9 FM presentó la semana RadioMUTEK, cinco programas especiales de una hora dedicados al festival con invitados especiales, desde Damián Romero hasta gente del team de MUTEK México quienes hablaron de todo lo relacionado a esta edición durante cada uno de los cinco programas, salvo Pablo del Bosco (PoLee) quien fuera director de MUTEK Argentina y quien acompañó a Damián Romero en la última emisión de RadioMUTEK.

Este año como parte de esta celebración especial, MUTEK.MX ofreció nuevas actividades académicas como MUTEK_LAB con el primer Simposio internacional “Creatividad e Innovación en el Espacio Público” que fue presentado en asociación con ICAS (International Cities of Advanced Sounds) y el Centro de Cultura Digital el 30 de Septiembre como actividad inaugural y una segunda parte el 1 de Octubre en las instalaciones del Centro de Cultura Digital en donde participaron grandes exponentes nacionales e internacionales como Alain Mongeau de MUTEK Montreal, Mikel Stubbs de FACT, Shawn Reynaldo de XLR8R, Olof Van Winden de TodaysArt, Alejandro Machorro de Cocolab, Alejandro Alonso de Siete Media, Gabriella Gomez-Mont de Laboratorio para la Ciudad, entre otros profesionales enfocados en la cultura, el diseño, el desarrollo urbano y la innovación quienes debatieron durante dos días la estrecha conexión entre la creatividad y la tecnología con el uso del espacio público.

Dentro de las actividades académicas de MUTEK_LAB también se realizó INTERSECCIÓN, la serie de paneles, talleres y conferencias de MUTEK.MX dedicado a temas fundamentales para la comunidad del arte digital actual que permite el diálogo entre el artista y el público como un vínculo único para fomentar diálogos y compartir experiencias, que se realizó los días 3, 4 y 5 de Octubre con una extensa lista de artistas participantes, como Robin Fox, el mexicano Juan Pablo Villegas, Carsten Nicolai (Alva Noto) uno de los artífices del minimalismo contemporáneo del sello alemán Raster-Noton, quien terminó hablando de su experiencia de abrir varios conciertos para Depeche Mode recientemente por Europa del Este con su proyecto en colaboración con Olaf Bender (Byetone) Diamond Version presentes en esta edición. Otros en dar conferencias fueron Pepe Mogt y Ramón Amezcua de Nortec, Roberto Morales pionero de la música electrónica mexicana, Herman Kolgen y varios artistas más quienes hicieron de esta edición de aniversario una gran experiencia como nos tiene acostumbrados MUTEK.

La convocatoria para el Simposio así como las conferencias de INTERSECCIÓN fueron abiertas al público sin costo alguno mediante un registro previo y fueron moderados por Ejival (director de Static Discos, Tijuana) y transmitidas por primera vez en una edición de MUTEK.MX mediante un streaming en vivo a cargo de SAE Institute México desde el Centro de Cultura Digital.

Por segundo año consecutivo, MUTEK.MX presentó CICLO, el programa enfocado a la muestra de documentales que fueron proyectados del 1 al 5 de Octubre en Cine Tonalá. Un espacio para las historias que nos dejan ver como la creatividad encuentra siempre su camino.

Otro de los nuevos programas de este año fue PLAY, una serie de conciertos dedicado al talento nacional emergente y a unos cuantos ya consolidados en México como Fax, quien presentó su nuevo EP The New Rage editado en formato digital y en cassette, Ramón Amezcua de Nortec quien ofreció un nuevo espectáculo con su nuevo proyecto Point Loma. Así como algunos que ya llevaban haciendo ruido un tiempo, como Maniquí Lazer que después de su esperado regreso a los escenarios con su nuevo álbum Dead Celebration, presentaron un nuevo show totalmente experimental y de improvisación sonora orientado más al noise, sin duda muy diferente a lo que hacen normalmente sobre un escenario o bajo de éste. Vampire Slayer, el proyecto solista de Valentin Torres de Maniquí Lazer es otro de los proyectos interesantes que se presentaron por primera vez en MUTEK.MX. Otro quien regresó a la escena fue Kampion, el proyecto solista de Guillermo Guevara de Duopandamix, por mencionar algunos.

Los ya clásicos A/VISION (serie de conciertos audiovisuales contemplativos) y los NOCTURNO (serie de conciertos dedicados al dancefloor) ambos siempre con grandes exponentes de la música electrónica nacional e internacional, fueron sin duda, lo más atractivo de esta edición. Algunos de los mejores exponentes de este año y los favoritos por muchos fueron The Brandt Brauer Frick Ensemble (Alemania), James Holden (Reino Unido), Actress (Reino Unido), Robin Fox (Austria), The Field (Suecia), Machinedrum (Estados Unidos), Matmos, (Estados Unidos), Jets (Machinedrum + Jimmy Edgar) (Estados Unidos), Kode9 (Reino Unido), Mount Kimbie (Reino Unido), Amon Tobin (Brasil/Estados Unidos) y su ISAM 2.0 en la clausura y sin duda para muchos también, la premiere en México del proyecto en colaboración entre Alva Noto + Byetone (co-fundadores del sello Raster-Noton) Diamond Version (Alemania), quienes había esperado desde la edición del año pasado, fue principalmente, lo que me atrajo de esta edición para ver por fin su extraordinario espectáculo A/V en el A/VISION 3 que se conjuntó con el NOCTURNO 1 en el nuevo Foto Museo Cuatro Caminos de la Fundación Pedro Meyer, una obra en construcción que abrirá hasta Marzo del 2014.

Viernes 4 de Octubre, 2013. Foto Museo Cuatro Caminos, Estado de México.

A/VISION 3 + NOCTURNO 1

El nuevo Foto Museo Cuatro Caminos, será un nuevo espacio de 5 mil metros cuadrados dedicado a la enseñanza, difusión y experimentación de la fotografía. Ubicado en la calle Ingenieros Militares 77 en la Col. Lomas de Sotelo en el Estado de México a tan sólo unos pocos metros del limite territorial con la Ciudad de México, fue el lugar donde desfilaron 11 proyectos de la mejor electrónica global en el programa A/VISION 3 – NOCTURNO 1 durante el quinto día de actividades del MUTEK.MX.

Al llegar al venue poco antes de las 21 hrs ya se había presentado en la Sala 1 el proyecto mexicano Strobe, compuesto por Álvaro Ruiz y Juan Pablo Villegas (proyecto que canceló su participación en la presentación del primer tomo del libro enciclopédico “Variación de Voltaje” de Carlos Prieto en la edición del Festival Aural del año pasado en la Universidad del Claustro de Sor Juana presentándose en su lugar un proyecto de dramaturgia de Álvaro Ruiz), que seguramente captaron la atención del público que ya se encontraba dentro. Llegué entonces, justo cuando Robin Fox hacia de las suyas en la Sala 1 con un excelente manejo de rayo láser de color verde tridimensional, humo y sonidos estridentes que retumbaban dentro de una pequeña sala oscura.

Antes de las 21:30 hrs tuve que abandonar la Sala 1 para trasladarme a la Sala 2, una sala más amplia para presenciar el show de los alemanes de Diamond Version, quienes después de haber lanzado una serie de EPs en formato digital y en vinilos de 12″ en el sello inglés Mute desde el año pasado y culminando este año con un boxset doble que reúne todos los tracks de los 5 EPs + un remix a “Get Yours” hecho por Martin Gore de Depeche Mode lanzado el mes pasado, emprendieron una gira mundial que arrancó el año pasado en el Festival de avanzada Sónar en Barcelona junto al japonés Atsuhiro Ito quien los acompaña en algunas presentaciones con su instrumento propio llamado Optron, un tubo fosforescente que produce luz y sonido al ser manipulado. En esta ocasión se presentaron sin él, lo cual, no le quitó ningún atractivo al show del dúo dinámico.

Mientras esperaba a que subieran al escenario, poco a poco, la Sala se iba llenando, un pequeño grupo de personas a mi alrededor hablaba sobre Jon Hopkins mientras “Emkay” de Bonobo sonaba de fondo.

“Fluorescencia constructivista” es como Alva Noto y Byetone llaman a sus veloces patrones básicos de sonidos electrónicos, que combinan pulso e intensidad. Proyecto que nació de las frecuentes colaboraciones de Noto y Byetone en diversos lugares cuando compartían escenarios. Un claro ejemplo es Signal, el súper proyecto en colaboración entre Alva Noto, Byetone y Frank Bretschneider, quienes se presentaron durante un showcase de Raster-Noton en un A/VISION en la quinta edición de MUTEK.MX en el Casino Metropolitano en la Ciudad de México en 2008.

Si bien, la colaboración entre Alva Noto y Ryuichi Sakamoto es más contemplativo y cautivador de una manera que relaja, con Diamond Version es todo lo opuesto. Durante una hora, la conjunción Noto + Byetone ofrecieron un gran espectáculo audiovisual lleno de energía con un elegante post-techno minimalista heredado de Kraftwerk, que retumbaba en el pecho de todos los presentes en la sala acompañado de excelentes visuales que proyectaban sobre dos enormes lienzos blancos tras de ellos en cierto ángulo, 4 pantallas de tipo LED y lucen que hipnotizaban al público a tal grado que hizo que una chica del público cayera al suelo siendo socorrida de inmediato por elementos del staff.

Tracks de sus 5 EPs en diferentes versiones fue lo que hizo que se disfrutara aún más su live act que arrancó con “Mission Statement” seguido por “Make.Believe”. “Science For A Better Life”, “Live Young”, “Technology At the Speed of Life”, “ModeOperator (Beispiel A)” primer track que publicaron el año pasado en Monkeytown Records, la disquera de Modeselektor incluida en su compilación Modeselektion Vol. 02, fueron algunos tracks que reversionaron para terminar con una extraordinaria versión de “Get Yours” mi favorita del dúo que hizo volar cabezas. Sin duda, fueron lo mejor de la noche.

Diamond_Version

Diamond Version

Después de esta pronta visita de Alva Noto a México luego de presentarse hace un año en el Pasagüero en la Noche Electrónica Alemana-Mexicana y en Mayo, igual del año pasado, con Ryuichi Sakamoto en el Metropólitan durante el Festival Aural, el pasado Domingo 6 de Octubre se presentó junto a Ryoji Ikeda bajo la modalidad de Cyclo, otro de los diversos proyectos en colaboración de Alva Noto en el MoMA (Museum of Modern Art) en Nueva York.

Después de Diamond Version mientras iba a la barra por una refrescante bebida ad hoc, localicé a un amigo y fan también del festival, al cual le mando un gran saludo, con quien me trasladaba de una sala a otra separadas por un edificio central para presenciar cada uno de los actos en vivo de aquella noche que prometía ser una larga noche de música de altos decibeles y baile.

En la sala 1, la banda indie Delorean de España ofrecieron el set más orgánico de la noche gracias a sus instrumentos con apoyo de sintetizadores. Después de vuelta en la Sala 2 luego de Diamond Version, fue el turno del británico Actress, el momento en que el lugar se convirtió verdaderamente en una pista de baile que nadie pudo parar con el paso de las horas.

Después Barnt de Alemania en la Sala 1, mientras esperábamos a The Field en su segunda visita a MUTEK.MX quien se presentó esta vez, en modalidad de trío al integrar bajo y batería en vivo a su minimal techno de alto calibre. Ya con una escenografía especial de décimo aniversario, llego el turno de The Field quienes con “Over The Ice” alcanzaron el clímax en toda la Sala 2, sin duda otro de los mejores de la noche. Luego le siguió el dúo Saschienne de Alemania (proyecto de Sascha Funke junto a su esposa Julienne Dessagne) que no dejaron descansar al público mientras observaba a Machinedrum (la mitad de Sepalcure y de Jets) en la Sala 1, quien presentó su nuevo álbum Vapor City en su totalidad, después uno de los momentos más esperados de la noche con James Holden, otro de los favoritos quien se encargó de terminar de destrozar el lugar con un set bastante intenso que no quería que terminara jamás, fue además el encargado de cerrar la noche en la Sala 2 mientras Vessel de Reino Unido hacía lo mismo en la Sala 1 alrededor de las 5:00 de la madrugada.

Durante la noche nos topamos varias veces entre el público con Damián Romero y Alain Mongeau a quienes pudimos saludar y felicitar por el logro, al igual que Rubén Tamayo (Fax) por su recién EP que presentó el día siguiente en Cine Tonalá en el programa PLAY 3. Otros que también estaban disfrutando de los shows fueron Ejival, Ramón Amezcua (Bostich), Rodo Ibarra de Maniquí Lazer, Álvaro Ruiz y todo el público que asistió, aunque algunos no recuerden casi nada a causa del alcohol.

De nueva cuenta, edición tras edición, MUTEK México ofreció una gran experiencia audiovisual y de dancefloor con mucho techno, glitch, IDM, house y dub que duró 9 horas con 11 proyectos que hicieron que la noche cumpliera su promesa, memorable.

La gran clausura de esta edición del festival, estuvo a cargo de otro de los proyectos más esperados por muchos, el ambicioso proyecto de mapping ISAM 2.0 Live del brasileño Amon Tobin, quien ofreció dos presentaciones por la gran demanda del público como única programación del A/VISION 5 en Campo Marte a un costado del Auditorio Nacional la noche del Domingo 6 de Octubre. Amon Tobin describe ISAM 2.0 como una enorme y multidimensional instalación con mapeo digital, que envuelve a la audiencia en una experiencia audiovisual que supera por mucho al 3D. Este espectáculo se presentará también dentro del Festival Internacional Cervantino en Guanajuato con dos presentaciones gratuitas los días 11 y 12 de Octubre. Así que para los que quieran disfrutar de esta pieza única, aún pueden hacerlo.

Amon Tobin – ISAM 2.0

Durante los 7 días que duró la celebración del festival, fue exhibida en el Centro de Cultura Digital y en el interior del Foto Museo Cuatro Caminos en una versión alterna, la instalación interactiva “Resortes” de Alejandro Franco y Thomas Sánchez, proyecto ganador del concurso de Creatividad Interactiva Sony Forward convocado el año pasado. Enhorabuena!

“Resortes”

A lo largo de estos 10 años, MUTEK México ha logrado mantenerse como una plataforma rígida para las diversas formas de expresión dentro del arte digital y la música electrónica, su mutación y su constante evolución. Y para una pequeña muestra, este año publicaron un catálogo conmemorativo con una retrospectiva fotográfica junto con el programa detallado de esta edición a un costo bastante accesible, que muestra los archivos fotográficos de MUTEK a lo largo de su historia en México. Esperemos más y grandes sorpresas para el siguiente año que seguramente no defraudará. Mientras tanto, MUTEK Montreal celebrará su edición número 15 del 28 de Mayo al 1 de Junio del 2014 y MUTEK.ES su quinta edición del 5 al 8 de Marzo del 2014 en Barcelona.

Felicidades MUTEK México por tu primera década. Larga vida y un gran futuro para uno de los festivales más importantes de México. [www.mutek.mx / www.mutek.org]

Fotos Diamond Version @ Flickr / Vídeos @ Vimeo

Escuchando:

La serie de EPs de Diamond Version (Mute, 2012-2013). [www.diamondversion.info]

Y II (Deluxe Version) (Monkeytown Records, 2013) el segundo álbum de Moderat, proyecto en colaboración entre Modeselektor y Apparat, aunque es ya innecesario mencionarlo.

A la par de la celebración de los 10 años de MUTEK en México, 2003 fue también el año en que salió el primer EP de Moderat titulado Auf Kosten Der Gesundheit, un EP con 4 tracks de auténtico IDM editado en la BPitch Control, como la primera colaboración entre Sebastian Szary, Gernot Bronsert (Modeselektor) y Sascha Ring (Apparat), quien recientemente sufrió un accidente de motocicleta junto a su novia en Berlín, aunque ya salió del hospital, tuvieron que cancelar su nueva gira durante el resto del año posponiéndola para los primeros meses del 2014.

2009 fue el año en que publicaron su primer LP homónimo con grandes colaboraciones y junto a ello, uno de los mejores espectáculos audiovisuales del mundo gracias a los extraordinarios visuales del colectivo visual de Berlín, Pfadfinderei. Fuimos testigos los que asistimos en la edición del 2010 de MUTEK.MX en el Salón Covadonga con lleno total (y los que los vieron en el Cervantino y en Guadalajara ese año), otra de las mejores noches en la historia del festival.

II salió hace ya un par de meses, el 2 de Agosto para ser exactos y aunque se filtró en internet semanas antes de su lanzamiento oficial, esperé la versión deluxe en formato digital que incluye además de un bonus track, el vídeo del primer sencillo del álbum “Bad Kingdom” dirigido por Pfadfinderei. El álbum abre con un pequeño corte instrumental “The Mark” para darle paso a “Bad Kingdom”, uno de los temas en donde Sascha Ring se encarga de la lírica y los vocales, siguiendo la línea de “Rusty Nails” de su anterior álbum. “Versions”, la primera que escuché de este álbum, es uno de los mejores temas del álbum, un viaje de dubstep fantasmal que define el sonido del resto del álbum. “Let In The Light” es tal vez mi favorita del álbum, tiene una de las mejores melodías del álbum, sin duda creación de Sasha Ring. “Milk” es un excelente tema instrumental hipnótico que dura 10 minutos en donde Sebastian y Gernot se lucen como lo hacen también en “Therapy” y en “Ilona”, uno de los cortes que suena más a su anterior álbum con un toque de dupstep y tintes de witch house. “Gita”, es otro de los temas en la voz de Sascha que recientemente fue utilizada en un vídeo en apoyo para la campaña #ENDviolence de la UNICEF. Dicho vídeo ya circula en internet. “Clouded” es el segundo track como interludio del álbum, mientras “Damage Done” es otra de las mejores del álbum y otra creación indiscutiblemente de Sascha que bien podría haber formado parte del álbum The Devil’s Walk o el Krieg und Frieden (Music for Theatre) de Apparat. “This Time” es uno de los temas en donde Sebastian, Gernot y Sascha encuentran el mejor equilibrio y en donde sobresale un agudo sintetizador que llega a un punto de clímax varias veces en un sube y baja. “Last Time” es el bonus track de la versión Deluxe y otro tema más protagonizado por la voz ya inconfundible de Sasha Ring quien durante el track es envuelto por una atmósfera enigmática, un tema que suena jodidamente increíble por lo que hace de esta versión Deluxe mejor que la versión básica.

Aunque este segundo álbum es menos enérgico y hasta menos multifacético que su antecesor, la principal diferencia es que en éste hay más sintetizadores que le da un sonido más análogo. Es evidente que han evolucionado musicalmente y creativamente ahora con su nuevo live act que nuevamente está a cargo de sus amigos de Pfadfinderei. Un álbum ampliamente recomendable que seguramente muchos ya han escuchado. Y mientras esperamos la recuperación total de Sascha Ring esperemos que regresen y presenten su nuevo espectáculo audiovisual el siguiente año en México. [www.moderat.fm]

all the best,
anuar

Album Review: “Crystal World”, álbum solista de Helen Marnie (Ladytron)

Crystal World es el nombre del álbum debut en solitario de Helen Marnie (Glasgow, Escocia) compositora, tecladista y vocalista principal de Ladytron (Liverpool, Inglaterra) quien después de 5 álbumes de estudio con Ladytron, aprovechó del descanso indefinido del cuarteto de Liverpool para escribir y grabar su primer álbum como solista, bautizando su proyecto simplemente como Marnie. Grabado entre agosto y octubre de 2012 en las frías tierras de Reykjavik, Islandia y producido por Daniel Hunt (co-fundador de Ladytron), por el músico islandés Bardi Jóhannsson y por el italiano Alessandro Cortini (Nine Inch Nails/SONOIO) quien co-produjo sólo el tema “We Are The Sea”, será sin duda, uno de los mejores álbumes del 2013.

Crystal World fue financiado a través de la plataforma PledgeMusic para recaudar los fondos necesarios para la realización de este álbum, mediante la venta de varios artículos exclusivos, incluso personales. Después de casi un año de campaña, por fin el 11 de junio, el álbum salió de manera oficial siendo los pledgers (miembros registrados en PledgeMusic) los primeros en adquirir este álbum. Sólo pocos días después de su lanzamiento oficial, se publicó en iTunes.

Un extraordinario álbum compuesto por 10 temas escritos en su totalidad por la bella y talentosísima Helen Marnie que abarca diversos estilos de la electrónica, desde el característico synthpop y new wave de Ladytron hasta un exquisito dream pop con la característica y hermosa voz de Helen Marnie más clara y pura que nunca. Un álbum totalmente influenciado por el mar, los volcanes en erupción, los bellos y diversos paisajes de Islandia y por el pop clásico de ABBA, elementos que claramente se reflejan en cada uno de los temas.

“The Hunter” es el primer single y el track con el que abre el álbum, single que fue lanzado el 29 de mayo junto con el vídeo oficial dirigido por Michael Sherrington, quien también dirigió el vídeo para “Mirage” del último álbum de Ladytron Gravity The Seducer. “The Hunter” es un tema que bien podría decirse que pertenece a Ladytron por ese synthpop tan perfecto y característico con un toque del pop de los 80′s y no es para menos, la mitad de la banda son los responsables de la elaboración de este sonido tan particular. “We Are The Sea” es el segundo track y a diferencia del primero, éste tiene todo el sonido de SONOIO, lo que hace que sobresalga del resto del álbum ya que fue el único tema co-producido por Alessandro Cortini, quien recién se reincorporó a Nine Inch Nails para su nueva gira que arranca este fin de semana junto a Joshua Eustis de Telefon Tel Aviv (lo cual les aseguro, será una gran sorpresa) y quien abrió los shows a Ladytron en su última gira Gravity The Seducer por norteamericana con su proyecto electrónico SONOIO (gira que arrancó en México en septiembre del 2011 y que a pesar del mal tiempo de aquella noche, pude disfrutar de igual manera del espectáculo de SONOIO y Ladytron). Trent Reznor, lider de Nine Inch Nails se considera fan de Ladytron quienes compartieron escenarios en una de sus giras por Europa y Japón en 2007.

“Hearts On Fire” es un tema con fuertes influencias del pop y new wave de los 80′s, le sigue “Violet Affair” otro track que resalta por ese sonido influenciado totalmente por el pop clásico de los años 60′s-70′s, muy alejado de los que hace normalmente en Ladytron y que sin embargo me recuerda por su similitud al tema instrumental “Ritual” del último álbum de Ladytron Gravity The Seducer (2011) y al tema “W Y R End Titles” incluida en el score del film norteamericano basado en el juego “Would You Rather” o “W Y R” (2012) compuesto por Daniel Hunt y Bardi Jóhannsson. “The Wind Breezes On” tema que viene incluido en el vinyl del single de “The Hunter” es en donde Marnie evoca la estructura lírica repetitiva que emplea en Ladytron, en “Sugarland” Daniel Hunt agrega algunos riffs de guitarra eléctrica creando un ambiente un poco frío y escalofriante regresando al sonido del pop clásico con tintes de shoegaze, lo cálido regresa con “High Road”, otro de los temas donde los sintetizadores se mezclan en perfección con la voz de Marnie para abrirle paso al tema ‘neo acapella’ “Laura”, un tema tranquilo y relajante en donde Marnie cuenta una triste historia de una chica desaparecida, usando una variedad de efectos de voz que le dan diversas capas de intensidad y emociones al tema, uno de los mejores tracks del álbum junto a “Submariner” que tras la historia que narra Marnie y sus 7 minutos con 39 segundos de duración, donde exactamente a partir de la mitad del track se convierte en una pieza instrumental que va ‘in crescendo’ con el sonido de varios sintetizadores y diversas percusiones que bien podría formar parte de un soundtrack para una película. “Gold” es el track con el que cierra este excelente álbum, una tranquila y emotiva balada que como “All The Way” del tercer y mejor álbum de Ladytron Witching Hour (2005) y “90 Degrees” del Gravity The Seducer (2011) suelen ser perfectas para cerrar un buen álbum, con “Gold” no es la excepción.

Esta imagen es la que tengo actualmente como wallpaper en mi MacBook Pro.

Crystal World es todo un deleite auditivo desde el primer track hasta el último. La voz de Helen Marnie y la música, hacen un excelente balance que te invita a escuchar cada uno de los temas sin saltarte ninguno gracias en gran parte a Daniel Hunt, su compañero en Ladytron quien actualmente vive en São Paulo, Brasil y quien además de producir para Ladytron, ha producido también para algunos otros proyectos. El año pasado, antes de producir este álbum, escribió y compuso junto a Bardi Jóhannsson el score para el film mencionado de terror “W Y R” , un soundtrack totalmente experimental e instrumental formado por 20 tracks generalmente cortas que mantienen el suspenso del film. Este excelente soundtrack fue publicado en febrero de este 2013.

Es inevitable comparar el sonido de este álbum con el de Ladytron, una de las principales comparaciones es que en éste no tiene ese sonido oscuro y post-rockero que tiene Witching Hour y Velocifero, ni el electropop retro-futurista de 604 y Light & Magic, pero si tiene un sonido más cercano al que tiene Gravity The Seducer, ambos tienen en algunos momentos ese ambiente de “música para película”, lo cual suena bastante bien. A pesar de esto, la mayor parte del álbum se aprecia un sonido totalmente propio y aunque suene trillado, un sonido bastante maduro. Sin duda, uno de mis álbumes favoritos de este 2013, mientras esperamos lo nuevo de Mira Aroyo, Reuben Wu, Daniel Hunt y Helen Marnie con lo que será su sexto álbum de estudio.

Lo que llama la atención es la manera de como se realizó este álbum, muy independiente del proceso de escritura y producción, por la forma en la que se logro la finalidad para que lo podamos escuchar, sin la necesidad de contar con el financiamiento de un sello discográfico pequeño o grande, ya que además de permitir una total independencia del artista, también permite a los fans a participar en el proceso, y pienso que este será un nuevo modelo de negocio para la música y para la realización de otros proyectos en donde ya se ha empleado recientemente. Este trabajo se logró gracias a todos aquellos seguidores de Helen Marnie y Ladytron que participaron en esta campaña. En el perfil de Marnie en PledgeMusic publicó lo siguiente: “I am humbled that so many of you had faith in me and were patient when the project was dogged by delays… I am proud of what we have achieved. This is just a small example of the power people have when they come together”. Y estoy completamente de acuerdo. [www.helenmarnie.com]

Tracklist:

01. The Hunter
02. We Are The Sea
03. Hearts On Fire
04. Violet Affair
05. The Wind Breezes On
06. Sugarland
07. High Road
08. Laura
09. Submariner
10. Gold

https://itunes.apple.com/mx/album/crystal-world/id664904604

all the best,
anuar

Festival Aural 2013: Presentación-concierto “Variación de Voltaje: Conversaciones con artistas sonoros y músicos electrónicos mexicanos”

El pasado martes 14 de mayo fue inaugurado la tercera edición del Festival Aural, que por tercera vez consecutiva presentó lo más relevante de la música experimental del mundo durante seis días con una serie de conciertos dentro del marco del 29º Festival de México en el Centro Histórico de la Ciudad de Mexico, el FMX, con la presentación-concierto del primer tomo del libro “Variación de Voltaje: Conversaciones con artistas sonoros y músicos electrónicos mexicanos” de Carlos Prieto Acevedo en el Auditorio Divino Narciso de la Universidad del Claustro de Sor Juana ubicado en el centro histórico de la Ciudad de México, lugar más idóneo dadas las circunstancias para la difusión de la presentación del libro y para el concierto que ofrecieron Roberto Morales, Walter Schmidt, Manuel Rocha y Álvaro Ruiz como parte de dicha presentación.

“Variación de Voltaje” es un proyecto enciclopédico de divulgación e interpretación crítica del arte sonoro y la música electrónica y electroacústica mexicana, editado en 3 volúmenes conformado por 25 entrevistas, un extenso glosario de términos sobre estética del sonido, tecnología de audio, géneros musicales, monografías institucionales y biografías. Incluye también una rica documentación facsimilar y gráfica, así como tres discos descargables de audio. El proyecto, realizado mediante una investigación documental y entrevistas con diversos creadores mexicanos a lo largo de 5 años, incorpora los testimonios de compositores, DJ’s, ingenieros de audio, productores de música electrónica y artistas sonoros, con la intención de integrar en un documento el paisaje de alteraciones a la identidad artística y cultural mexicana desde el territorio amorfo de la tecnología y el sonido. En este compendio se ponen a disposición del lector una serie de conversaciones con artistas tan diversos como los creadores del movimiento Nortec, los pioneros de la radio, los compositores electroacústicos que impulsaron la experimentación desde los espacios académicos, los primeros autodidactas en cruzar y entrelazar categorías y géneros musicales, los DJ’s que forjaron la experiencia masiva de la electrónica de baile, hasta las tentativas más recientes del arte sonoro por desbordar nuestras formas de experimentar el mundo.

Martes 14 de Mayo, 2013. Universidad del Claustro de Sor Juana, México DF

Al llegar a la Universidad del Claustro de Sor Juana, ya se encontraba una larga fila esperando entrar al Auditorio, entre los asistentes formados en la fila se encontraba Bishop, músico electrónico que imparte talleres en Discoteca, mientras Rogelio Sosa director del Festival Aural y Álvaro Ruiz se paseaban por el lugar. Pasaron varios minutos después de las 5PM para entrar al lugar donde se encontraba una mesa con discos y vinilos que vende el Nicho, una tienda que presenta, difunde y vende música y que tiene un showroom en la colonia Roma y una tienda en línea. [www.elnicho.org]

Con un lleno total en el recién remodelado Auditorio Divino Narciso donde incluso se tuvieron que abrir los palcos de arriba para que entrara la gente que seguía afuera, el autor Carlos Prieto, quien estudió filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y con una larga trayectoria como académico y periodista, así como colaborador y activista de una amplia escena que involucra la música experimental y electrónica en México desde fines de los años 90, entre ellos su vital colaboración en MUTEK México principalmente como moderador en las mesas de diálogo abierto durante el período 2003-2008 y en los festivales Radar y Aural posteriormente; actualmente es profesor de tiempo completo en la Universidad del Claustro de Sor Juana en donde imparte el seminario de filosofía de la comunicación, fue quien nos dio la bienvenida y toda la explicación al respecto de este proyecto, mencionando a las personas que hicieron posible su realización, el fotógrafo freelance Luis Mendez quien es el que se encargó de todos los retratos a los artistas y la diseñadora Laura Balboa quien se encargó del diseño de la portada y de toda la dirección de arte y claro, la indispensable participación y colaboración de los artistas, mientras estaba sentado en una de las butacas del Auditorio como uno más del público como también se encontraban Roberto Morales, Manuel Rocha, Walter Schmidt, Álvaro Ruiz, al igual que Rogelio Sosa, Cristian Cárdenas (Plug), Marco Fierro, Luis Carlos Gómez (DJ Chrysler) y Bishop quienes reconocí. La dinámica de aquella primera presentación consistió en una breve entrevista realizada por el mismo Carlos Prieto a cada uno de los artistas mencionados en intervalos antes de que presentaran sus piezas de arte sonoro.

El primer artista entrevistado y en tocar fue Roberto Morales, quien aparece en el primer volumen del libro, explicaba como y con qué empezó a hacer música y a programar, gran parte de lo que explicó se encuentra en el primer volumen del libro quien presentó una serie de tres intensas reconstrucciones sonoras históricas. Sus piezas se valieron de la integración de elementos de música tradicional mexicana y de programas de computación, en su primera pieza utilizó el arpa jarocha, en su segunda pieza la flauta y en la tercera utilizó elementos y sensores de movimientos de las consolas wii y kinect que proyectaban visuales en tiempo real.

El segundo artista en ser entrevistado fue Walter Schmidt, uno de los precursores e iconos de la música experimental en el país, quien nos relató sus inicios en la música en la década de los 70s con sus proyectos Decibel, Size y Casino Shanghai, quien nos presentó junto a un amigo frente a frente, la oscura interpretación sonora del relato de terror “The Dreams In The Witch House” escrito por H.P. Lovecraft en 1932.

El tercero, fue el compositor y artista sonoro Manuel Rocha quien dijo de forma sarcástica quedar frustrado por no aparecer en este primer volumen como se había manejado y quien nos relataba sobre sus obras de field recordings y su evolución. Nos ofreció el estreno de una pieza de 30 minutos de auténtico arte sonoro en 8 canales que se convirtió en dos piezas debido a una falla técnica impredecible, la primera parte pues, fue una maravillosa pieza de ambient, field recording y drone con sonidos de insectos y aves, la segunda con una deconstrucción de una serie de tambores de música tradicional colombiana y de elementos de la vida urbana. Sin duda, uno de los primeros y de los mejores artistas sonoros en hacer field recording en México. Me atrevo a decir que fue el acto que más me gustó por su intensidad y atmósfera a pesar de aquella falla que alteró un poco a Rocha pero que supo ejecutar sus dos piezas muy bien.

Para el cierre estaba contemplado la presentación de Strobe, proyecto compuesto por Álvaro Ruiz y Juan Pablo Villegas, pero al final, Álvaro Ruiz presentó un proyecto sonoro de dramaturgia, donde el mismo Álvaro Ruiz era quien estaba disfrazado de un personaje un poco tétrico mientras manipulaba a distancia y a veces sin tocar físicamente sus instrumentos legendarios, como el extinto controlador MIDI multi-touch JazzMutant Lemur y el Theremin.

De esta forma, todos los presentes vivimos una experiencia histórica y extraordinaria de música electrónica y experimental hecha por una parte de los pioneros del género en México. Después vino la parte más importante de la noche, la invitación que nos hizo Carlos Prieto para la adquisición del libro que se vendió afuera del Auditorio a un precio de $250, un precio bastante accesible, para después ofrecernos unas bebidas cortesía del Festival Aural en uno de los patios de la Universidad, ahí, pude saludar y conversar con Álvaro Ruiz sobre su peculiar performance y sobre los instrumentos que utilizó, un tipo bastante amable. También se encontraban ahí Carlos Prieto, Rogelio Sosa y todos los artistas sonoros que tocaron como acto de celebración y de convivencia, además de otros conocidos que ya mencioné se encontraban en la presentación.

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Este primer volumen editado por la Universidad del Claustro de Sor Juana, incluye conversaciones realizadas a los artistas y músicos Héctor Quintanar, Antonio Russek, ambas conversaciones realizadas en 2006 en Cuernavaca, Morelos; Roberto Morales Manzanares, con una conversación que se compone de dos entrevistas durante 2009 en la ciudad de México, Ramón Amezcua (Bostich) del colectivo Nortec, con una conversación realizada en 2007 en Tijuana, Baja California; Fernando Corona (Murcof), igualmente con una conversación compuesta por dos entrevistas, la primera realizada durante el festival de arte y nuevas tecnologías Plataforma en la ciudad de Puebla, entrevista que pude presenciar en el interior del Museo de Arte Contemporáneo el 16 de diciembre de 2006 y la segunda realizada en 2009 en la ciudad de México; Mario de Vega, con una conversación realizada en 2006 y otra vía correo electrónico en 2011 y Rodolfo Sánchez Alvarado, con una conversación en 2007 y otra en 2010 en México DF.

El segundo volumen estará integrado por obras de Rodrigo Sigal, Cristian Cárdenas (Plug), Alvaro Ruiz, Rogelio Sosa, Luis Carlos Gómez (DJ Chrysler), Rubén Alonso Tamayo (Fax), Gonzalo Macías y Gabriela Ortiz; y el tercero incluye a Duopandamix, Angel Sánchez Borges, Angélica Castelló, Guillermo Galindo, Israel Martínez, Javier Alvarez, Manrico Montero y Pepe Mogt. Walter Schmidt y Manuel Rocha Iturbide serán incluidos en algunos de estos dos volúmenes. Ambos serán publicados durante los próximos meses, el segundo volumen en octubre y el tercero en diciembre, aunque es claro y evidente que no están todos los que deberían estar, pero eso, no es exactamente la finalidad del proyecto como bien lo dijo Prieto en la presentación-concierto que se transmitió vía on line por la estación de radio nómada por internet wmwmwm.net al igual que el cierre de esta tercera edición con los conciertos del nicho Aural, un sub-festival dentro de Aural curado por el Nicho Experimental, quienes ofrecieron talleres, pláticas, proyecciones audiovisuales y conciertos de improvisación libre, noise y drone los días 18 y 19 de mayo en el Centro Cultural de España y en el Laboratorio de Arte Alameda respectivamente. [www.aural.org.mx]

Otro de los eventos de esta tercera edición del Festival Aural, fue la presentación de Oval, Mika Vainio, Kevin Drumm, Stalaktos, Boris, Sun Ra Arkestra entre otros. Hace un año, el 16 de mayo del 2012 y como parte de las actividades de la segunda edición de Aural, se presentaron por primera vez en México uno de mis artistas minimalistas favoritos, el alemán Carsten Nicolai mejor conocido como Alva Noto, en conjunto con el mítico pianista contemporáneo japonés Ryuichi Sakamoto, quienes ofrecieron un extraordinario concierto audiovisual en el majestuoso Teatro Metropólitan, plagado de hermosas tonalidades de piano, delicados ruidos glitch acompañados por una larga pantalla de LEDs con formas simétricas y asimétricas que respondían a los sonidos generados por ambos artistas que hacían adentrarte a un mundo y espacio único en donde la conjunción perfecta entre la electrónica minimalista y la clásica contemporánea pierden limites. El mejor concierto del año pasado de un servidor sin duda alguna.

Después de la presentación y durante los seis días de Aural, el libro se podía conseguir en algunas sedes de las actividades del festival. Posteriormente y para los interesados en adquirir este primer tomo, lo podrán encontrar en Cine Tonalá, en el Nicho y en festivales y ferias de libros en la República Mexicana, luego será traducido al inglés y al francés para ser ofrecido al extranjero. Y aunque será el libro que leeré en los próximos meses, realmente recomiendo adquirir este primer volumen para todos los interesados en la historia y el contexto actual del arte sonoro, la música electrónica y electroacústica en México. [www.voltaje.mx]

Aquí les dejo la liga para descargar el disco uno de Variación de Voltaje: discouno.voltaje.mx

Escuchando:

“Krieg und Frieden (Music for Theatre)” del músico y productor multifacético alemán Sascha Ring, mejor conocido como Apparat.

Quinto álbum de estudio de Apparat que salió en febrero de este año editado en el sello británico MUTE después de su grandioso “The Devil’s Walk”  (2011) que presentó en el Teatro de la Ciudad de México Esperanza Iris en marzo del año pasado como primera actividad del MUTEK.MX, siendo otro de los mejores conciertos del 2012 personalmente hablando. Siguiendo la linea de su antecesor musicalmente, “Krieg und Frieden (Music for Theatre)” esta basado en la producción teatral “War & Peace”, una novela original de Leo Tolstoy. El director de teatro Sebastian Hartmann, considerado uno de los más grandes innovadores del teatro alemán contemporáneo, solicitó personalmente la participación de Sascha Ring para hacer la banda sonora de esta adaptación teatral, el cual fue comisionado por el reconocido festival de artes alemanas Ruhrfestspiele de Recklinghausen. Apparat recién arrancó su nueva gira el pasado 10 de mayo en Varsovia, Polonia en el Free Form Festival presentando este nuevo material y en agosto sale a la luz el segundo álbum de Moderat, el súper proyecto que tiene en colaboración con sus compatriotas del dúo Modeselektor, que llevará por titulo “II” y que prácticamente ya está listo y espero verlos en vivo de nuevo en nuestro país. “A Violent Sky” es mi pieza favorita de este excelente álbum. ¡Un álbum recomendadísimo!

 

 

Y el cuarto EP del extraordinario dúo de minimal techno compuesto por otros alemanes Alva Noto y Byetone.

Diamond Version, otro de los proyectos en colaboración entre Carsten Nicolai y Olaf Bender que recién publicaron su EP #4 el pasado 4 de mayo editado en la Raster-Noton (sello discográfico fundado por Carsten Nicolai, Olaf Bender y Frank Bretschneider) y publicado bajo la licencia exclusiva del sello MUTE, también. Este EP de 4 tracks ha sido mi favorito de los EPs que han editado sólo en vinyl de 12″ y en formato digital desde el año pasado, muy recientemente publicaron su nuevo vídeo para el track “Live Young” y actualmente, en estos días, Diamond Version se encuentra de gira a lado de una de mis bandas favoritas de todos los tiempos, Depeche Mode, quienes después de haber lanzado su más reciente álbum “Delta Machine” invitaron a Diamond Version para acompañarlos en una gira por Europa del Este. La noche de este domingo 19 de mayo, hace tan sólo unas horas, se presentaron juntos en la capital de Serbia ex-Yugoslavia, Belgrado; el día 21 tocarán en Budapest, Hungría y después de varias fechas y ciudades más, terminarán su gira juntos a finales de julio en Minsk, Bielorrusia. Aún no me puedo imaginar ver sobre un mismo escenario a Diamond Version y Depeche Mode, afortunados los europeos que tendrán esa magnifica oportunidad. Espero ambas bandas vengan a México este año, juntos o por separado.

 

 

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anuar

Childs y Maniquí Lazer @ Festival Día De Campo Albino 2013

El pasado fin de semana se llevó a cabo en San Andrés Cholula, Puebla el Día de Campo Albino, un evento con el formato de un festival realizado por la gente de Albino.MX, quienes se han encargado de traer bandas y djs nacionales e internacionales a diferentes partes de la Ciudad de los Ángeles. Uno de sus esfuerzos más conocidos fue el de la realización del Festival 72810 en Marzo del año pasado con un line up conformado por bandas nacionales como Austin TV e internacionales como Modest Mouse, Peter Murphy y Blonde Redhead. Este año, se dieron a la tarea de reunir un grupo de bandas y proyectos mexicanos, locales y nacionales presentados en su modalidad live act durante todo un día divididos en dos escenarios en el Jardín El Fresno, no en el Campo Xaltepec como primeramente se había anunciado, lo cual pienso, fue la mejor decisión.

Con un total de 22 bandas mexicanas de diferentes corrientes musicales y un ambiente realmente muy a gusto, aunque durante la noche tuvimos amenaza de lluvia, pudimos disfrutar del evento de acuerdo a los diferentes gustos musicales, había para casi todos los gustos, desde surf, indie rock, rock experimental, electrónica, hasta el shoegaze experimental y electrónico de Childs o como Paul Marrón líder de la banda denominó su música como electronic lullabies y el lazer punk de Maniquí Lazer, estos últimos fueron los proyectos que quería ver y escuchar principalmente, y así fue. Aunque también animaron muy bien Bufi, Pato Watson, Damn Disko quienes tuvieron su mejor momento cuando tocaron su remix a “1901″ de Phoenix, los regiomontanos de Quiero Club y los “chewbacca” de The Wookies que tuvieron que acortar su live act por haber terminado el tiempo de la renta del espacio.

Viernes 3 de Mayo, 2013. Jardín El Fresno, San Andrés Cholula, Puebla.

Childs y Maniquí Lazer

A Childs (originarios de Ensenada, B.C.) los he visto ya cuatro veces con esta última y son de esas bandas que se disfrutan mucho en vivo. La primera fue en la primera edición del festival de música electrónica y arte multimedia Interface en Noviembre del 2005 con la participación de los artistas y directores de los sellos independientes más importantes del país de música electrónica. Sin duda, uno de los mejores festivales que existieron en Puebla hasta su cuarta edición en 2008. En esa primera edición, Childs estaba formado originalmente por Paul Marrón y Guillermo Bátiz y estaban por publicar su primer y único álbum a la fecha “Yui” editado en 2006 en el sello tijuanense Static Discos. En ese entonces, Ejival (director de Static Discos) me vendió el álbum homónimo del proyecto de Nashio Chavez (ex-Nortec) y los Hnos. Cota llamado Niño Astronauta en su edición nacional y el álbum debut de Kobol (proyecto de Nashio Chavez y Argel Cota de Niño Astronauta). Murcof, Karras, Fax, Kobol, E.lebleu y más fueron los proyectos que pude presenciar por primera vez. Childs fueron los que cerraron la segunda noche del festival en el Teatro de la Ciudad de Puebla. La segunda ocasión que vi a Childs fue en la tercera edición del festival Mutek.MX a finales de Marzo de ese mismo 2006 en el Teatro de la Danza ubicado a un costado del Auditorio Nacional en la Ciudad de México, en el mismo escenario donde se presentaron por primera y única vez en México uno de mis proyectos favoritos de idm Telefon Tel Aviv, quienes estuvimos presentes aquella lejana noche tuvimos la gran oportunidad de verlos aún como dúo, ya que como algunos saben en Enero de 2009 Charles Cooper, la otra mitad de TTA perdió la vida, lamentable. Otros en tocar esa noche fue el proyecto de Eric Gamboa (E.lebleu), claro Childs, el debut de Estructuras de la Tarde, un ensamble de ambient-folk fundado por Manrico Montero (Karras) con varios artistas del sello Mandorla (Salvador Villanueva, Fax, Arthur Henry Fork y el mismo Paul Marrón de Childs) y un pequeño showcase del sello alemán Scape, fue además mi primer Mutek. La tercera vez, fue en la primera y única edición de un festival con 65 días de arte y nuevas tecnologías en Puebla llamado Plataforma, entre Noviembre del 2006 y Enero del 2007 con una serie de conciertos curados por Ricardo Guzmán (Nikzon) el mismo director de Interface. Fue en un showcase de los sellos Static y el netlabel ahora extinto Filtro el 16 de Diciembre del 2006 en la Explanada del Paseo de San Francisco, zona conocida como el “verdadero centro histórico de la Ciudad de Puebla” con live acts además de Childs, de Murcof, Karras, Carrie, Fax, Terrestre, Duopandamix, Plug, Bifidus, Subnor, Rivel, Emmerichk y Ejival quien me vendió esta vez el tan esperado álbum “Yui” de Childs. Otras de las bandas que se presentaron dentro de esta serie de conciertos incluyó a bandas como Niño Astronauta, Estructuras de la Tarde, el Maniquí Lazer (que me fue imposible verlos aquella vez) y muchas bandas más.

Childs hizo su versión al tema “Noches de Verano” original de Manrico Montero publicado en 2004, siendo el primer release del netlabel extinto Filtro, donde también se incluyen a diversos artistas mexicanos, entre ellos Don Moy, proyecto personal de Guillermo Bátiz con el que también publicó el EP “Enough About Me, Let’s Talk About Me!” en el netlabel también hoy extinto Cyan Recs que dirigió Ruben Tamayo (Fax) entre 2005 y 2008. La compilación “Noches de Verano + Remixes” hasta hace poco más de un año se podía descargar, ahora creo es imposible, pero si alguien le interesa le puedo mandar vía e-mail el archivo comprimido en .zip de esta excelente compilación. En 2006 Childs incluyó un tema inédito “Oese 12″ en la compilación digital “Abolipop+Friends” en el sello tapatío Abolipop. En ese mismo año se incluyó un remix al track #3 “Marysal” del álbum “Yui” realizado por Fax en la primera compilación digital del netlabel Mandorla y uno de mis favoritos de la serie “Mandorla Autumn Net-Project” donde también incluye un tema hecho por Paul Marrón titulado “Refugio” bajo su seudónimo de Ikari, una exquisita pieza de digital-folk. Poco tiempo después, Guillermo Batiz salió de Childs y desde 2009 Paul Marrón informaba en MySpace la preparación del segundo álbum de Childs “Realidal” con una nueva alineación y con ello, la descarga gratuita del primer single “Rei”.

Pasaron más de 6 años para volver a ver y escuchar la música de Childs en vivo en el escenario 1 del Día de Campo Albino, esta vez, con un ensamble conformado por Paul Marrón (voz, guitarra y programación), Manuel Castañeda (teclados, guitarra y voz) y por Rafa Olivarría (guitarra y voz) interpretaron los mejores temas del “Yui” y nuevas con sonido dreampop aunque, ya que su presentación fue en este festival, cada banda tocó alrededor de 30 minutos (excepto las últimas) dejándonos un poco con ganas de más. Al final de su presentación, pude saludar a Paul Marrón y preguntarle algunas dudas que tenía y que muy amablemente me respondió, sintiéndome muy cómodo como si estuviera platicando con un viejo amigo. Platicamos entre algunas cosas, sobre el evento, las veces que los he visto cuando estaba con Guillermo Bátiz quien ahora se que se encuentra en Australia y que formó un nuevo proyecto llamado On The Second Day que ya anda sonando por algunos lugares, sobre su nuevo álbum y sobre su próximo tour nuevamente en el Dreamer International Music Festival en Beijing y Shanghai (China) a finales de este mes. Nos despedimos con un saludo de manos y esperando que regresen pronto con un setlist más completo y porque no, con el espectáculo que han presentado recientemente en otras ocasiones. [www.chiilds.com]

Un poco más tarde, alrededor de las 8:40 pm, subieron al escenario 1 Maniquí Lazer. Para quienes no han escuchado de ellos, Maniquí Lazer son un trío de Mexicali B.C. de post punk o como ellos mismos se denominan lazer punk formado por Jung Sing, V y Rodo Ibarra, quienes reventaron el lugar con sus gritos desquiciados, sintetizadores, bajos estridentes y ritmos heredados del dance punk. Temas de su primer álbum “I Learn Everything On TV” editado en el sello Soundsister en 2006, temas del su álbum digital “The Amazing Kingdom Of The Animals In The Zoo. Chapter I: Magical Medicine” editado en el nuevamente mencionado y desaparecido netlabel Cyan Recs en 2008 (siendo junto al EP “Enough About Me, Let’s Talk About Me!” de Don Moy, mis favoritos releases de Cyan) y nuevos tracks que formarán parte de su tercer álbum que pienso será editado en Indian Gold, sello fundado por Valentín Torres, miembro de Maniquí Lazer.

Después de varios años queriéndolos ver en vivo, fue esta la ocasión en la que los pude ver por primera vez ya que tampoco habían regresado a Puebla después aquel Plataforma 2006 si no me equivoco. Sin duda alguna, fueron quienes se llevaron la noche, una banda muy entregada al público, los vídeos que próximamente publicaré en mi canal de Vimeo son la clara prueba de ello y de como son las presentaciones en vivo del Maniquí Lazer. Sin palabras. [www.maniquilazer.bandcamp.com]

Nunca entendí por que Carla Morrison fue expuesta como principal headliner de este festival, como lo mencioné al principio, hubo para todos los gustos, sin duda, sólo esperemos que no sea la única edición, ya que es una excelente oportunidad para ver y descubrir nuevas bandas locales y nacionales, aunque a decir verdad y sin tratar de ser malinchista, no hubo otras bandas que realmente me llamaran la atención, pero es un buen pretexto para pasar un buen momento con amig@s tomando cerveza y poder seguir viendo excelentes bandas que habían desaparecido momentáneamente como son el caso de Childs y Maniquí Lazer. [www.albino.mx]

*Un saludo muy especial a Paul Marrón de Childs y a los Maniquí Lazer.

Próximos vídeos @ Vimeo

 

Escuchando:

“Cyan Recs [C3] Enough About Me, Let’s Talk About Me!” (2006) EP de Don Moy.

Y “Cyan Recs [C11] The Amazing Kingdom Of The Animals In The Zoo. Chapter I: Magical Medicine” (2008) de Maniquí Lazer.

Si alguien desea escuchar y tener estos releases, pueden dejarme su e-mail en los comentarios para que pueda mandárselos sin problema alguno con la única finalidad de compartir.

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ANTIVJ “3DESTRUCT v2″: Una instalación audiovisual de Yannick Jacquet, Jérémie Peeters y Thomas Vaquié

Finalmente, después de una inesperada re-programación por causas de fuerza mayor en la edición 2012 del festival de música electrónica y arte digital (originario de Montreal, Canadá) MUTEK.MX, el label visual francés/inglés ANTIVJ regresó a la ciudad de México para presentar 3DESTRUCT v2, una instalación audiovisual creada por los artistas Yannick Jacquet, Jérémie Peeters y Thomas Vaquié el pasado fin de semana del 11 al 14 de abril, esta vez, como actividad inaugural de las celebraciones del décimo aniversario del MUTEK.MX que se celebrará en octubre (el año pasado se presentó Apparat Band como primera actividad de la edición 2012, fue uno de los mejores conciertos del año pasado) y dentro de la semana más importante del arte contemporáneo en México y Latinoamérica, Zona Maco 2013.

Domingo 14 de Abril, 2013. Cocolab, México DF

3DESTRUCT v2, es la nueva versión de la instalación original que presentaron anteriormente en Europa, fue visitada de manera gratuita dentro de las instalaciones del colectivo multidisciplinario COCOLAB en la ciudad de México mediante un proceso de registro y asignación de horarios previo a la asistencia a esta maravillosa pieza de arte multimedia, que consiste básicamente, en una estructura cúbica formada por varias cortinas de tela semi-transparentes rectangulares que cuelgan desde su superficie y que sirven para proyectar desde cada uno de los 4 lados formas y figuras simétricas y asimétricas perfectamente sincronizadas con sonidos provenientes de unas bocinas que se encontraban escondidas en la parte superior al centro del enorme cubo.

Las cortinas de tela resplandecientes forman al mismo tiempo un laberinto e invita al espectador a participar y adentrarse al enorme cubo luminoso y sonoro. Una vez dentro, los visuales a cargo de Yannick Jacquet y Jérémie Peeters y los sonidos a cargo de Thomas Vaquié, provoca diferentes reacciones y emociones, algunas extrañas, otras excitantes según la percepción de cada individuo. Otro de los factores que se puede experimentar dentro es la perdida de la noción del tiempo y del espacio con forme se va avanzando y perdiendo entre las cortinas activando los sentidos del ser humano formando así, parte de la instalación.

En las propias palabras del colectivo visual ANTIVJ: “3DESTRUCT V2 es una instalación que sirve para sumergirse dentro de un cubo transparente que genera luz y sonido, y que cuando el espectador la atraviesa pierde todas sus referencias geográficas en un universo no lineal que destruye cualquier coherencia espacial”.

Por momentos, dentro o fuera de la pieza era un performance muy tranquilo, relajante y oscuro con apenas algunos puntos luminosos y a veces en total oscuridad, por otros, eran momentos de total caos de luz y sonido, ciclo que se repitió por dos veces a lo largo de su duración que fue alrededor de 30 minutos, aunque en realidad pareció mucho menos. Después de este lapso, las luces del lugar se encendieron seguido de unos fuertes y merecidos aplausos por parte de los espectadores que tuvimos la oportunidad de ser partícipe de esta gran obra de arte multimedia y minimalista. Ya sea participar en ella o solo contemplar su actividad desde afuera 3DESTRUCT v2 logró su objetivo principal. Sin duda, otra de las mejores experiencias audiovisuales que he visto y que forma parte de mi lista de los mejores. Próximamente subiré el registro en vídeo Full HD de mi asistencia a esta experiencia vía Vimeo. [www.antivj.com]

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Con esta visita de ANTIVJ a México, me hizo recordar la primera vez que se presentó otro miembro del colectivo en el país, Simon Geilfus, presentando otro de los mejores actos audiovisuales junto al músico y productor mexicano Fernando Corona, ex-Nortec mejor conocido como Murcof en la edición 2011 del MUTEK México, que bien pueden checar la reseña en este blog, junto a las fotos tomadas aquella noche en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la ciudad de México.

Por otro lado, ANTIVJ sigue en México, presentarán otras 3 diferentes instalaciones, además de una variación de 3DESTRUCT en el festival internacional de diseño y artes digitales Proyecta Oaxaca 2013 que arranca mañana (del 19 al 21 de abril) en el Jardín Etnobotánico de Oaxaca. Imperdible. [www.proyecta.cdo.gob.mx]

Y para terminar, les recuerdo que a principios de octubre se realizará la celebración de los 10 años de mi festival favorito, con una edición completa conformada por diversos artistas internacionales como nos tiene acostumbrados, ya veremos las sorpresas. Mientras tanto, lo que sigue también como parte de las primeras actividades del décimo aniversario del MUTEK.MX, será la presentación del productor británico Jamie Lidell quien se presentará por primera vez en México el próximo 23 de mayo en el Auditorio BlackBerry. [www.mutek.mx]

¡Nos vemos en octubre MUTEK.MX!

*Un agradecimiento muy a especial a Damian Romero y a Gina Jaramillo por su trato especial y por haber hecho posible mi asistencia a esta grandiosa instalación audiovisual siendo foráneo.

Escuchando:

“Shrines” del dúo electrónico canadiense Purity Ring formado en 2010 por la cantante Megan James y el instrumentista Corin Roddick.

“Shrines” es el álbum debut de estos jóvenes canadienses editado en 2012 en uno de mis sellos favoritos, la prestigiosa 4AD, siendo uno de los mejores debut del año pasado dentro del pop electrónico. Un álbum con 11 tracks de un suave y relajante witch-house como lo han catalogado. Recientemente se presentaron en el primer fin de semana del Coachella en Indio, California, con un acto en vivo muy atractivo con varios focos que se iluminan cuando Corin Roddick los golpea con unas baquetas produciendo diferentes sonidos como si éstos fueran tambores de batería, combinados con sonidos de cajas de ritmo y controladores que van conectados a una laptop que tienen casi a escondidas, mientras Megan James en ocasiones hace lo mismo con los focos y un bombo mientras canta con su dulce voz; arriba, instalan varios globos ovalados y luminosos que guían muy bien al público de acuerdo a su música, todo esta combinación de elementos me recuerda a varios performances.

En unas horas se presentarán durante el segundo fin de semana del Coachella 2013, de nuevo junto a otras bandas como The Postal Service (y su esperado regreso después de 10 años), Phoenix y muchas otras más durante los próximos 3 días, pero esta vez, no serán transmitidos en vivo por streaming como el pasado fin de semana que transmitieron los 3 días de conciertos en 3 canales diferentes en la cuenta de Coachella en YouTube. Pueden ver algunas presentaciones del primer fin de semana de Coachella 2013 en youtube.com/coachella.

Purity Ring me suena por veces a Sepalcure, Grimes y otras a Nosaj Thing, pero aún con un sonido y estilo propio, sin duda, son una gran revelación. Las mejores y mis favoritas del álbum son “Crawlersout”, “Fineshrine”, “Amenamy”, “Grandloves (feat. Young Magic)”“Belispeak”“Obedear” y “Lofticries” un álbum muy recomendable en su totalidad. [www.purityringsongs.com]

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Album Review: The Postal Service – Give Up (Deluxe 10th Anniversary Edition)

El día de ayer fue lanzado en diferentes formatos físicos y digital la nueva edición Deluxe de uno de los mejores álbumes debut de todos los tiempos, nombrado por la Rolling Stone la semana pasada y posicionándolo en el puesto #36/100. “Give Up” del dúo electrónico The Postal Service, un verdadero clásico y pionero del género indietrónica que fue editado originalmente hace una década, en febrero de 2003 en el sello Sub Pop. Desde su publicación original ha sido el álbum mas vendido de la disquera desde el álbum “Bleach” de Nirvana. 10 años después, The Postal Service decide lanzar una reedición especial con motivo de su décimo aniversario y con ello, uno de los regresos a los escenarios más esperados en los últimos años.

Como saben muchos, Benjamin Gibbard es líder, vocalista y guitarrista de la banda de inde rock Death Cab For Cutie y Jimmy Tamborello es mejor conocido por su proyecto electrónico principal Dntel, entre otros. En el año 2001 ambos músicos deciden trabajar juntos bajo el nombre de The Postal Service solo después de la participación de Ben Gibbard en el tema “(This Is) The Dream Of Evan and Chan” incluido en el primer álbum de Dntel “Life Is Full Of Possibilities” (2001, Plug Research), un álbum de IDM, glitch y downtempo que bien podría estar a lado del “Fahrenheit Fair Enough” de Telefon Tel Aviv o del “Musique Pour 3 Femmes Enceintes” de Marc Leclair, supondría la primera colaboración entre Gibbard y Tamborello. Evidentemente, después de dicha colaboración, el envío mutuo de CD-Rs con grabaciones e ideas entre Seattle y Los Angeles mediante el servicio postal tradicional (motivo por el cual nombraron así a su proyecto) diera como resultado de esa experimentación a la grabación de su único álbum en conjunto “Give Up”.

El proceso de creación de este álbum fue simple, Tamborello le enviaba a Gibbard la parte electrónica hecha por todo su arsenal de instrumentos electrónicos, mientras Gibbard le agregaba la voz, riffs de guitarras y la melodía. El álbum, además de contar con la inconfundible voz de Gibbard, también cuenta con las voces de Jenny Lewis de la banda indie Rilo Kiley y la de Jen Wood como segunda voz en la mayoría de los temas, tal vez, idea de Tamborello. El álbum fue producido por Chris Walla (quien es el productor de Death Cab For Cutie) en la primavera del 2002.

La atención del público y de la prensa llego tras el lanzamiento del primer single del álbum “Such Great Heights” que sonó en todos lados, nombrada una de las canciones del año, ¿cómo sacar de la cabeza esos beats y ese riff de guitarra en el puente de “Such Great Heights”?. Posteriormente lanzaron los singles “The District Sleeps Alone Tonight” que habla sobre una visita temporal a Washington D.C. y “We Will Become Silhouettes” que se volvieron clásicos. En retrospectiva, la primera vez que los escuché, fue en 2003 o 2004 en un programa de radio en Puebla que ya no existe llamado Vanguardia Sónica, el cual programaron una pequeña parte del álbum e inmediatamente me atrapó, obligándome a comprar el CD poco tiempo después, al igual que el de “Life Is Full Of Possibilities” de Dntel.

Otros temas que definitivamente definen este álbum como uno de los mejores de su género y de la década del 2000, son la electroacústica y repetitiva “Sleeping In”, la dulce y dramática “Nothing Better” que cuenta en su mayor parte con sonidos generados por sistemas de 8-bits (como en otros de los temas del álbum) característico de los videojuegos de las consolas de Atari o del Game Boy, en donde Gibbard canta a dueto con la simpática Jenny Lewis quien responde las súplicas de Gibbard y donde Chris Walla toca el piano, digna para todo aquel que le hayan roto el corazón. “Recycled Air” es el track más fino, minimalista y uno de los tiene los mejores riffs de guitarra del álbum junto a “The District Sleeps Alone Tonight” y claro “Such Great Heights”, al final de “Clark Gable”, un tema que habla sobre todo de esperanzas por un amor fallido en los suburbios de Londres, Gibbard toca también la batería al igual que en “This Place Is A Prison” y “Brand New Colony”. “Natural Anthem” es el track que cierra el álbum, un track que pareciera instrumental a cargo de Tamborello salvo que alrededor del último minuto Gibbard canta tan sólo dos párrafos. “Give Up” es pues, un excelente álbum (originalmente) con 10 temas plagados cada una de ellas de un buen indie pop, beats muy bailables, sonidos manipulados digitalmente y con muchas melodías, guitarras y letras muy narrativas con quien muchos se identifican. Un álbum que suena verdaderamente actual y que encaja perfectamente tanto en la discografía de Death Cab For Cutie como en la de Dntel gracias a esa fusión de ideas entre Gibbard y Tamborello, quien además tocó el acordeón como lo hizo en “Suddenly Is Sooner Than You Think” de su citado álbum “Life Is Full Of Possibilities” en “We Will Become Silhouettes” y “This Place Is A Prison”. Sin duda, es uno de mis álbumes favoritos que forma parte de mi colección de CDs.

Después de su publicación en 2003, hicieron una extensa gira sobre todo en lugares pequeños, sus recitales en vivo resultaban muy interesantes ya que se convertía en un proyecto conformado por un trío, sobre el escenario se encontraba Ben Gibbard de Death Cab For Cutie, Jimmy Tamborello de Dntel y a Jenny Lewis de Rilo Kiley, todos tocando todos los instrumentos, haciendo que los asistentes se hicieran preguntas y más preguntas. Hay una grabación que fue publicada hace no mucho en YouTube de su presentación en el programa Morning Becomes Eclectic de la KCRW en 2003 (del cual descargué el audio hace ya algunos años) donde se observa como Gibbard va del micrófono y la guitarra a la batería para seguir cantando, mientras Tamborello improvisa en algunos instantes con diferentes sonidos generados mediante una laptop, sintetizadores y demás aparatos electrónicos y Jenny Lewis además de cantar, se le observa tocar varios instrumentos, teclados, guitarras, etc.

Después de esa temporada, cada una de sus partes regresaron a sus proyectos personales, pues Death Cab For Cutie había lanzado ese mismo 2003 el álbum “Transatlantisisc” y así, les fue imposible continuar con el proyecto. Death Cab For Cutie publicó otros tres álbumes a la fecha, dentro de ese periodo en 2009 el vocalista de la banda se casó con la actriz y cantante Zooey Deschanel quien se hizo muy conocida por su papel en la película de comedia dramática “500 Days of Summer” y por ser la hermana de la protagonista de la serie Bones, dos años después de contraer matrimonio la pareja se divorció, actualmente la podemos ver en una de las peores series de comedia que he visto, New Girl que se transmite por Fox y recientemente está por publicar su tercer álbum con su proyecto musical She & Him. Pero fuera de relatos al estilo Hollywood”, el año pasado Gibbard publicó su primer álbum solista, un álbum muy folclórico y personal (como todos los álbumes solistas) y Dntel hizo lo mismo editando tres álbumes con más influencias de Thom Yorke y Modeselektor, haciendo remixes y publicando temas en vivo los cuales, al igual que algunos tracks son regalados en su cuenta de SoundCloud, todo esto sucedía mientras “Give Up” seguía creciendo, vendiéndose y volviéndose hasta cierto punto, un álbum de culto. Durante 10 años, miles de seguidores anhelábamos un segundo álbum de esta dupla, fue en 2007 durante una entrevista a Gibbard quien afirmó que le gustaría trabajar otra vez con Tamborello en un segundo álbum de The Postal Service aclarando también que le era imposible, ya que se encontraban muy ocupado con DCFC y Dntel respectivamente, dejándonos con ese deseo, ya que en algunas presentaciones de DCFC y de Gibbard como solista, tocaba de vez en cuando algunos clásicos de The Postal Service en versiones acústicas, incluso en alguna ocasión contó con la presencia de Lewis y de Tamborello alimentando la idea de un posible regreso en algún momento.

No fue hasta en enero de este año, cuando apareció una leyenda en la pagina web de The Postal Service con una de las mejores noticias para empezar el año, la leyenda era muy clara: “The Postal Service 2013″, pocos días después anunciaron la fecha de lanzamiento de la reedición de “Give Up” para celebrar sus 10 años de vida y junto al anuncio incluía varias fechas de presentaciones confirmando así, su esperadísima reunión. Noticia que nos asombró a todos sus seguidores, sobre todo, porque muy pocos días antes de ver la noticia, me encontraba escuchando su álbum como ocasionalmente lo hago e imaginé como sería el regreso de The Postal Service a los escenarios y la idea de nueva música o de un posible segundo álbum. ¡Coincidencia! Aunque al momento no han confirmado la realización de un posible segundo álbum, la idea de tener la oportunidad de verlos en vivo es lo que muchos estaban esperando desde hace varios años.

La reedición remasterizada incluye obviamente el álbum original con los 10 tracks más 15 bonus tracks, los cuales incluye todos los lados B que grabaron como “Be Still My Heart” y “There’s Never Enough Time”, 5 remixes hechos por gente como John Tejada, Matthew Dear, Stryrofoam entre otros y las versiones a dos clásicos de The Postal Service interpretadas por The Shins y Iron & Wine, la mayoría de estos bonus tracks fueron incluidos en los EPs de los singles en 2003 y 2005 y se podían adquirir y escuchar desde entonces. En esta nueva reedición no podían faltar los buenos covers que hicieron como The Postal Service, desde su versión a “Suddenly Everything Has Changed” de los Flaming Lips, pasando por uno de los mejores covers de toda la historia “Against All Odds (Take A Look At Me Now)” de Phil Collins incluida en el soundtrack de la película “Wicked Park” en 2004, hasta “Grow Old With Me” de John Lennon publicada en 2007 especialmente para la campaña Make Some Noise de Amnesty International en un álbum doble con música de Lennon interpretada por una larga lista de bandas y cantantes.

Otro de los temas que ya se podía escuchar desde hace un tiempo es la versión acústica que incluye de “Recycled Air” grabada en vivo en los estudios de la KEXP en Seattle, Washington. Y por si fuera poco y lo nuevo para mi y para muchos, son los 2 nuevos temas que incluye “Turn Around” y “A Tattered Line Of String” en donde también participa Jenny Lewis y que se han lanzado ya como singles de promoción. Sólo les faltó incluir los remixes que hicieron a “Do You Releaze??” de The Flaming Lips, “Little Girl Blue” original de la cantante de jazz y gospel, Nina Simone de su álbum debut de 1958 y a “Mushaboom” de Feist.

Para esta gira de reunión por Norte América y Europa, nuevamente contarán con la participación de Jenny Lewis y se suma Laura Burhenn, gira que arrancó la noche de ayer en Reno, Nevada. Algunas de sus fechas alcanzaron total sold out a pocos días de empezar la venta de boletos, incluyendo algunas de sus presentaciones en varios festivales importantes ya confirmados como el Coachella y el Sasquatch! Festival 2013, otros de los festivales donde participarán son el Primavera Sound Festival en Barcelona y el Lollapallooza 2013. Habrá que ver su nuevo espectáculo y como suenan después de 10 años de ausencia. Las fechas se han agregado poco a poco, actualmente su última fecha agendada es a principios de agosto y aunque no han confirmado fechas en nuestro país, corren algunos rumores por ahí. Esperemos se animen a visitar México muy pronto, no suena imposible. Para los que no han tenido la oportunidad de escuchar este álbum, les recomiendo adquirir la edición especial. [www.postalservice.net]

Escuchando:

Track listening:

  1. The District Sleeps Alone Tonight
  2. Such Great Heights
  3. Sleeping In
  4. Nothing Better
  5. Recycled Air
  6. Clark Gable
  7. We Will Become Silhouettes
  8. This Place Is A Prison
  9. Brand New Colony
  10. Natural Anthem
  11. Turn Around
  12. A Tattered Line Of String
  13. Be Still My Heart
  14. There’s Never Enough Time
  15. Suddenly Everything Has Changed
  16. Against All Odds (Take A Look At Me Now)
  17. Grow Old With Me
  18. Such Great Heights (John Tejada Remix)
  19. The District Sleeps Alone Tonight (DJ Downfall Persistent Beat Mix)
  20. Be Still My Heart (Nobody Remix)
  21. We Will Become Silhouettes (Matthew Dear’s Not Scared Mix)
  22. Nothing Better (Styrofoam Remix)
  23. Recycled Air (Live on KEXP)
  24. We Will Become Silhouettes (Performed by The Shins)
  25. Such Great Heights (Performed by Iron & Wine)

Les dejo el link de un divertido sketch hecho por la gente de Funny Or Die de las “supuestas” audiciones para encontrar al vocalista de The Postal Service en 2002 en un universo paralelo en donde aparecen Nate Mendel de los Foo Fighters, Duff McKagan de Guns And Roses, Tom DeLonge de Blink 182 (?), Moby quien simplemente dio el mejor performance y varios más, al final aparece el indicado, Ben Gibbard de Death Cab For Cutie. ¡Muy divertido! [ver vídeo]

all the best,
anuar